“Chronic Dreams”, il nuovo singolo dei Green Rose

Un’autostrada, i finestrini abbassati, la musica alta e nessuna particolare fretta di arrivare. “Chronic Dreams”, il nuovo singolo dei Green Rose, racconta la libertà di ritagliarsi uno spazio fuori dalla routine, condividendo la strada, le notti e le risate con gli amici e con la cannabis come strumento per mettere in pausa pensieri e preoccupazioni per qualche ora.

“Friends by my side, laughter in the air” sintetizza il mood di questa esperienza collettiva fatta di complicità e momenti senza programmi, mentre il ritornello insiste su “Chronic dreams, floating free”, catturando la leggerezza di una piccola parentesi in cui sentirsi lontani dalle pressioni quotidiane.

Quale genere migliore di uno street glam ispirato ai Guns ‘n’ Roses per questo brano divertente, senza sovrastrutture e basato sull’immediatezza, sull’energia e sul piacere di suonare?

“Chronic Dreams” è la colonna sonora di un girovagare notturno da condividere, quando la destinazione conta meno delle persone a bordo e il viaggio in sé è un motivo più che sufficiente per partire.

Nata nel 2022 dall’iniziativa di Crash, la band prende forma con l’ingresso del batterista Anton e si completa nel 2023 con l’arrivo del bassista Enry.

Dopo una prima fase di sviluppo del progetto, dalla fine del 2024 il gruppo intensifica il lavoro su composizione e repertorio, avviando un percorso sempre più orientato all’attività live.

Il 2025 segna una svolta: aumentano i concerti e, durante l’estate, la band entra in studio per registrare il primo album, completato nel dicembre dello stesso anno. La partecipazione al Veneto Rock Contest, a cui il gruppo si iscrive nel settembre 2025, porta nel febbraio 2026 il terzo premio della Giuria Popolare e favorisce l’incontro con uno scout, aprendo la strada alla firma con Sorry Mom!.

Il 2026 si sviluppa tra palchi e nuove uscite discografiche: a febbraio arriva “Rebels”, seguito a marzo da “Saints of My Soul” e a luglio da “Slaughter”,singoli che anticipano il disco d’esordio. Nello stesso anno la band partecipa a Sanremo Rock e al Nicky Show di Canale Italia, ampliando le occasioni per presentare la propria musica. Dopo l’uscita di Enry dalla formazione, avvenuta a fine luglio per ragioni interne, il gruppo prosegue l’attività dal vivo con il supporto di Martin Carpani, bassista dei King Lizard. La band continua oggi a portare avanti i concerti e la pubblicazione dei singoli, in attesa di svelare il primo album.

ASCOLTA “CHRONIC DREAMS”!

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“Punto di rottura”, il nuovo singolo di Domenico Cuccarese

 

Una relazione che si consuma lentamente, tra distanze sempre più profonde e parole che non riescono più a trovare spazio.

Con “Punto di rottura”, il nuovo singolo, Domenico Cuccarese racconta la fine silenziosa di un rapporto, quel momento in cui qualcosa si incrina senza bisogno di esplodere, lasciando emergere una frattura che era già presente.

Il brano si sviluppa attraverso immagini evocative e simboliche: il legno che si spezza, le radici che diventano un muro, un orizzonte che si curva. Metafore di un legame che perde progressivamente la propria solidità, mentre gesti, pensieri e parole non dette alimentano una distanza sempre più difficile da colmare.

Sul piano sonoro, la scrittura intima e introspettiva del cantautorato incontra una produzione pop elettronica dalle pulsazioni dance. Un contrasto che diventa elemento centrale del brano: da una parte l’energia ritmica, dall’altra la fragilità emotiva di un racconto che mette a nudo le difficoltà della comunicazione e il senso di impotenza davanti a una relazione che cambia.

Nato da una prima bozza, successivamente ripresa e trasformata attraverso un lavoro sulla progressione armonica e sulla componente ritmica, “Punto di rottura” trova nella voce il proprio fulcro espressivo. È attraverso di essa che prende forma il bisogno di comunicare, proprio quando trovare le parole giuste sembra diventare sempre più difficile.

Domenico Cuccarese è un cantautore, compositore e produttore musicale originario di Castellammare di Stabia. Si avvicina alla musica attraverso lo studio del pianoforte e della composizione, dando inizio a un percorso artistico che lo porta, nel 2012, alla pubblicazione di “Viaggio sulle nuvole”, un album strumentale per pianoforte solo.

Dopo una pausa discografica, nel 2023 torna a pubblicare musica originale con brani come “Notti” e “Conosco il mare”, dando forma a una scrittura personale in cui melodia, narrazione ed emozione si intrecciano. Parallelamente, attraverso il progetto Do.Sa.Mi., sviluppa la propria attività di produzione musicale, seguendo in prima persona ogni fase del processo creativo e della costruzione sonora dei suoi brani.

ASCOLTA “PUNTO DI ROTTURA”!

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NRG1 – esce “Il Giorno Perfetto”

 

Il Giorno Perfetto è un brano che esplora il rapporto con se stessi, il coraggio di rompere gli schemi e la ricerca di un equilibrio autentico in un mondo che spesso rischia di allontanarci da ciò che siamo davvero.

Attraverso un racconto emotivo e contemporaneo, gli NRG1 danno voce a un percorso di introspezione in cui la fragilità si intreccia con il desiderio di libertà e di connessione. Un invito a guardarsi dentro, ad accettare le proprie contraddizioni e a trovare una nuova consapevolezza, senza inseguire modelli di perfezione irraggiungibili.

Perché la perfezione non significa avere tutto sotto controllo, ma imparare a riconoscere la luce anche nei momenti di incertezza. È proprio in questa prospettiva che Il Giorno Perfetto si trasforma in un messaggio di ripartenza e autodeterminazione: la possibilità di scegliere la propria strada, rispettare i propri tempi e ricominciare senza dover rispondere alle aspettative degli altri.

Con questo singolo, gli NRG1 propongono una riflessione sul valore delle scelte personali e sulla possibilità di ritrovare se stessi anche attraverso le proprie fragilità. Perché il giorno perfetto non è qualcosa da aspettare, ma qualcosa da costruire, ogni giorno, a modo proprio.

NRG1 è un duo elettrosynthpop di Verona che fonde energia elettronica e sensibilità live in un sound pulsante e contemporaneo. Il progetto nasce dall’incontro tra Nico Dibono (batteria, percussioni) e George Bora (chitarre, synth), unendo groove organici e trame sintetiche in un equilibrio costante tra istinto e tecnologia.

La loro musica attraversa territori synthpop, house ed elettronici, alternando atmosfere immersive a ritmi ipnotici, pensati per coinvolgere il corpo e la mente. Beat incisivi, linee melodiche evocative e un forte impatto emotivo definiscono l’identità del Duo, un progetto che guarda al dancefloor senza rinunciare alla profondità sonora.

NRG1 è energia in movimento: un viaggio elettronico dove il suono diventa esperienza.

ASCOLTA “IL GIORNO PERFETTO”!

https://distrokid.com/hyperfollow/nrg17/il-giorno-perfetto-3/

IMXDILE – “Solo Per Gioco”, IL NUOVO SINGOLO

 

Un brano pop con influenze reggaeton che chiude la stagione estiva e racconta la difficoltà di vivere una relazione senza lasciarsi coinvolgere troppo.

“Solo per gioco” è il nuovo singolo di IMXDILE, un brano dal sound pop contemporaneo, caratterizzato da influenze reggaeton, che chiude la stagione estiva esplorando le contraddizioni di una relazione sospesa tra desiderio, attrazione e paura di lasciarsi andare.

Al centro del brano c’è il tentativo di vivere un rapporto senza prendersi troppo sul serio, mantenendo le distanze per evitare di soffrire. Una dinamica in cui si cerca di stabilire delle regole, convincendosi che tutto possa restare leggero e senza conseguenze, mentre il coinvolgimento emotivo cresce fino a diventare difficile da controllare.

“Solo per gioco” racconta proprio questo equilibrio precario tra la voglia di vivere il momento e il timore di lasciarsi andare davvero. Da una parte c’è il desiderio di proteggersi, dall’altra un’attrazione forte che rende complicato mantenere le distanze. E quando una relazione si interrompe o cambia direzione, restano la nostalgia, l’amarezza e la necessità di voltare pagina per ricominciare.

Con una sonorità fresca e attuale, IMXDILE dà voce a quelle situazioni in cui si prova a tenere tutto sotto controllo, senza fare i conti con ciò che si prova davvero. Perché, a volte, ciò che nasce solo per gioco finisce per coinvolgere molto più del previsto.

IMXDILE, pseudonimo di Diletta Marica Largoni, è un progetto musicale nato a Bassano del Grappa che si muove tra sonorità pop, indie pop e urban.

Appassionata di musica e attiva come cantante fin da piccola, nell’autunno del 2025 decide di dare voce alla propria identità artistica, iniziando a lavorare alla produzione dei suoi brani. Un percorso che in pochi mesi la porta a farsi notare nel panorama musicale emergente: nella primavera del 2026 viene infatti scoperta e messa sotto contratto da Sorry Mom!, management ed etichetta discografica con cui intraprende una nuova fase del proprio percorso musicale.

Link video: https://www.youtube.com/watch?v=iCf_emRe8Cs

Vanterrania – è uscito il video di “Cube”

 

Dopo il video di “Power Plant” ecco il nuovo video di Vanterrania, ossia il video di “Cube”. Entrambi fanno parte della playlist Vanterrania’s lands.

Il video inizia con questo individuo che cammina in una strada deserta, cammina nel vuoto. Il vuoto lo troviamo anche alla fine del video con questa donna con tuta da astronauta. Quindi, il vuoto domina il video insieme a questi corridoi/spazi liminali.

La solitudine, il vagare nel vuoto, negli spazi liminali, tutto questo può aiutare un individuo ad emergere dalla massa o semplicemente ad estraniarsi/emarginarsi da essa. Tale individuo, tra l’altro, può non essere minimamente influenzato dal mondo circostante, dai limiti sociali, dalle convenzioni borghesi etc.; può sviluppare anche particolari capacità, qualità o altro ancora. Però la solitudine e il vuoto, quell’apparente condizione di libertà può portare altresì alla follia, alla depressione, ad una tristezza insanabile, depressione che viene anche rappresentata nel video.

Nella solitudine ci si rifugia in mondi interiori, rappresentati nel video da mondi cyberpunk o sci fi. Vi sono anche immagini inquietanti, immagini sinistre che sicuramente destano stupore.

Il video di Cube è stato concepito per essere misterioso. Lo stesso pezzo è un down-tempo alquanto minimal che fa rimanere allibiti per le sensazioni oscure o inquietanti che trasmette.

È una song esistenziale, profonda, una deep song che cerca di trovare il suo posto in un mondo nel quale la profondità si è perduta come si è perduto lo spirito critico. E il video è stato messo insieme cercando di cogliere l’essenza, l’intimità di questa canzone.

Link video: https://www.youtube.com/watch?v=bXKIsarbroE

Vanterrania’s lands

Vanterrania’s lands è innanzitutto il tentativo di trasporre in immagini in movimento la musica di Vanterrania. Viaggiando nelle Vanterrania’s lands il fruitore può perdersi, può percepire realtà lontane, aliene, interiori, realtà o dimensioni surreali etc.

Vanterrania’s lands è un esperimento che trae totale ispirazione dalla musica di Vanterrania. Cerca pure di andare oltre...cerca di attraversare la musica, di creare spazi, di creare infiltrazioni immaginifiche. Vanterrania’s lands è un mondo, è un universo nel quale immergersi interamente per trovare un rifugio dal mondo reale. Un’astrazione sia totalizzante che nichilistica, uno spazio oltre lo spazio reale.

Link playlist: https://www.youtube.com/playlist?list=PLNyAgoaIX5Eo

Biografia

Vanterrania è lo pseudonimo artistico di Giovanni Brancati, un musicista, chitarrista, polistrumentista, compositore e produttore di musica elettronica italiano nato a Scicli (Ragusa) nel 1975 e attivo in Sicilia principalmente nel Catanese.

Iniziato il suo percorso musicale alla fine degli anni '80 come chitarrista rock, Brancati si è successivamente evoluto verso la sperimentazione elettronica strumentale. Il suo stile fonde elementi di musica industrial, electro-rock, ambient, psichedelia e indietronica, dando vita a composizioni strutturate come vere e proprie colonne sonore.

L’elenco seguente riassume i principali album in studio pubblicati dal musicista:

Anno, Titolo, Album, Caratteristiche principali:

2016, Mysterious, Sperimentazione elettro-rock e atmosfere da colonna sonora.

2016, Electronix, Forte presenza di sonorità industrial e psichedelia elettronica.

2017, Two Bells Vol. 1 e 2

2017, Galaxies, Unione di influenze punk, rock ed electro-industrial.

2020, Electrowave, Amalgama scura e profonda tra sonorità indietronica e ambient.

Ultimi progetti: Tra i suoi progetti recenti spicca il singolo e video musicale "Power Plant" (2026), un brano electro-industrial incentrato sul caos delle metropoli contemporanee e sull'antropocene.

Le sue produzioni si basano su un ampio utilizzo di sintetizzatori, sequencer, drum machine e chitarre contaminate da effetti. I brani sono disponibili sulle principali piattaforme di streaming.

The Hermanos – è uscito “A flower in the cracks”

 

Il 23 ottobre 2026 i The Hermanos pubblicano "A Flower in the Cracks", il nuovo singolo disponibile su tutte le piattaforme digitali, accompagnato dal videoclip ufficiale in uscita in contemporanea.

Tra rock alternativo ed elettronica il brano racconta la resilienza di fronte alle difficoltà della vita e alla forza distruttiva di un amore tossico. Come un fiore capace di crescere tra le crepe dell’asfalto anche la fragilità può diventare una forma di resistenza, fino a confrontarsi con ciò che rischia di spezzarla.

Link video: https://youtu.be/nbGzMgaaKuU?si=oTAZ_pT9DAgugSOg

Biografia

Formati nel 2016, i The Hermanos sono Giorgio Brussato (basso, voce e sequenze), Roberto Brussato (chitarre e piano) e Leonardo Forcolin (batteria).

Il loro percorso discografico comprende l’EP Blinding Love, l’album A Different Love (2021) e il singolo Instead of You.

Il sound della band si muove tra atmosfere alternative ed elettroniche, con influenze che richiamano gli U2 dei primi anni Ottanta, i Depeche Mode e gli Echo & the Bunnymen.

Web links:

Youtube - https://www.youtube.com/@TheHermanos-w7q

Facebook - https://www.facebook.com/fratellibrussato

Instagram- https://www.instagram.com/hermanos.artista

Reverbnation - https://www.reverbnation.com/hermanos3

The Windfall – ecco “Erit Lux”

Con Erit Lux, i The Windfall firmano quello che, fino a oggi, rappresenta forse il brano più intimo e atmosferico del progetto. Una ballad in cui musica e parole si intrecciano per dare forma a una riflessione sulla consapevolezza, sulla capacità di guardarsi dentro e sulla possibilità di trovare una via d’uscita anche nei momenti più difficili.

Il titolo, che richiama il significato di “ci sarà luce”, racchiude il cuore del brano: al di là delle prigioni che costruiamo attorno a noi, delle ombre che ci accompagnano e degli errori che segnano il nostro percorso, esiste sempre una luce capace di indicarci la strada. Una visione che diventa metafora di speranza e della possibilità di superare i propri limiti, accettando anche le zone più complesse della propria interiorità.

Sul piano musicale, il ritmo avvolgente dell’handpan costituisce la trama sonora su cui si sviluppano la voce e il violino, dando corpo alle suggestioni evocate dal testo. Le chitarre intervengono con accenti emotivi che arricchiscono l’atmosfera del brano, accompagnandone le sfumature senza interromperne il carattere raccolto e contemplativo.

Con Erit Lux, i The Windfall esplorano così una dimensione più introspettiva del proprio universo musicale, affidando alla delicatezza degli arrangiamenti e alla forza evocativa delle immagini il racconto di un percorso interiore: perché anche quando sembra impossibile trovare una via, una luce può ancora illuminare il cammino.

The Windfall è il progetto musicale di Gianluca Gugliotta (handpan, chitarre elettriche, drum machine, hammered dulcimer, percussioni), affiancato dal maestro Giovanni Alibrandi (violino, synth) e da Eliana Mazzei (voce, flauto traverso).

La loro musica unisce sonorità celtiche e world music, grazie a strumenti come handpan, dulcimer, udu, flauti e violino, a suggestioni new wave e ambient, con chitarre elettriche effettate, synth analogici e drum machine.

Il risultato è un linguaggio sonoro libero e mutevole, fortemente evocativo e in dialogo con la natura e i suoi elementi.

L’esperienza live dei The Windfall è pensata come un vero e proprio viaggio sensoriale: concerti arricchiti da proiezioni video che intrecciano musica, immagini e i quattro elementi naturali – fuoco, aria, acqua e terra – in una dimensione quasi catartica. Il progetto si è già esibito in festival e rassegne siciliane come Intermittenze, Pietra Lunare e Radica, trovando location suggestive e in sintonia con il suo immaginario.

Da settembre 2024 i The Windfall collaborano con l’etichetta Sorry Mom!; da maggio 2025 è disponibile su tutte le piattaforme digitali il loro primo EP, un lavoro di sei brani che racchiude l’essenza del progetto.

ASCOLTA “ERIT LUX”!

https://orcd.co/thewindfall-eritlux

 

CLAUDIA CANTISANI – esce “Ombra”

Il cantautore scrive, compone, arrangia e produce un brano interamente per Claudia Cantisani, coronando un sodalizio artistico nato da una profonda affinità musicale.

Sergio Caputo ha segnato oltre un decennio della canzone italiana e continua a essere un cantautore molto seguito, protagonista da anni di fortunate stagioni teatrali. Da sempre dedito alla propria produzione artistica, ha scelto raramente di scrivere per altri, con una significativa eccezione: il testo di “Susanna” per Adriano Celentano.

Con “Ombra”, questa scelta incontra oggi Claudia Cantisani: Caputo firma infatti per lei un brano inedito, curandone scrittura, composizione, arrangiamento e produzione.

Un incontro artistico che affonda le radici in una lunga sintonia musicale.

Per Cantisani, Caputo è da sempre un faro e un riferimento fondamentale, un’affinità riconosciuta fin dagli esordi.

Nel 2013, recensendo il suo album “Storie d’amore non troppo riuscite” sul Corriere della Sera, il critico musicale Mario Luzzatto Fegiz la descriveva come una sorta di «versione femminile di Sergio Caputo».

“…con testi ironici e l’atteggiamento di chi non vuol prendersi troppo sul serio, possiamo definire la Cantisani una versione femminile del Sergio Caputo di “Un sabato italiano”, attenta a cogliere gli aspetti “leggeri” della vita…” Recensione di Mario Luzzatto Fegiz da “Sette” de “Il Corriere della Sera.

Il dialogo tra i due prosegue nel 2018, quando Caputo firma le note di copertina dell’album “Non inizia bene neanche questo weekend”, e si concretizza ulteriormente nel 2023 con “Sabrina sul petrolio”: Cantisani rivisita “Blu elettrico”, brano particolarmente amato da Caputo, che partecipa alla registrazione suonando la chitarra. Con “Ombra”, il legame artistico raggiunge un nuovo traguardo, trasformandosi in una collaborazione completa, in cui Caputo mette la propria sensibilità musicale al servizio dell’universo interpretativo di Claudia.

“Sono sempre molto contento quando ascolto della canzone jazz al femminile, ma quando sento una voce come quella di Claudia Cantisani sono contento ancor di più. Una voce così non si sentiva dai tempi di Caterina Valente e di Mina; una voce elastica e fluida, che va dritta alle note senza svolazzi e gorgheggi e taglia dritto attraverso l’orchestra senza mai perdersi in ghirigori leziosi. Il fatto che sia lei a scriversi le canzoni mi rende ancora più felice, perché ciò vuol dire che Claudia Cantisani crede in ciò che canta, e ce lo porge con garbo mai sguaiato, privo di quei virtuosismi da prima donna di cui accennavo. Mi auguro che molti altri, se non tutti, vedano in lei una promessa che verrà sicuramente mantenuta, se solo le verrà dato lo spazio che merita.”

(Dalle note di copertina di Sergio Caputo “Non inizia bene neanche questo weekend” 2018)

Il singolo affronta il tema dell’Ombra nella prospettiva della psicologia junghiana: quella parte di noi che custodisce aspetti della personalità che tendiamo a nascondere o rifiutare. Un confronto con sé stessi che diventa materia narrativa e musicale, dando voce alle contraddizioni e alle zone meno illuminate dell’identità.

“La canzone, scritta da Sergio Caputo e stupendamente interpretata da Claudia Cantisani, è la storia di una partita aperta fra la protagonista e la propria ombra, che appare e scompare a suo piacimento, mettendo a dura prova la sua “padrona di casa”, la quale però non la disdegna del tutto” (Sergio Caputo)

Claudia Cantisani è didatta, vocalist e compositrice laziale d’origine e lucana d’adozione. Formata in canto lirico al Conservatorio “Gesualdo Da Venosa” di Potenza, approfondisce la scrittura al C.E.T. di Mogol e si specializza nel jazz con la tecnica Vocal Power di Elisabeth Howard, di cui è insegnante certificata.

Artista poliedrica, pubblica diversi album, tra cui “Storie d’amore non troppo riuscite” (2013), “Non inizia bene neanche questo weekend” (2018) e “Sabrina sul petrolio” (2023), collaborando con nomi come Joe Amoruso, Sergio Caputo, Andrea Agresti e Alessandro Haber.

Nel 2025 esce il singolo “L’uomo del sì”, in duetto con Petra Magoni, mentre nel 2026 pubblica “Il Venditore di Rose”, dando avvio a un nuovo capitolo del suo percorso artistico.

ASCOLTA “OMBRA”!

https://benext.lnk.to/ombra

Woda Woda – il nuovo singolo “Codardo Maledetto”

 

Con il nuovo singolo “Codardo Maledetto”, i Woda Woda puntano l’arco contro chi crede che il proprio tornaconto sia una ragione sufficiente per calpestare la vita altrui. Contro chi si nasconde dietro il cinismo di un “la vita va così”, come se la responsabilità fosse un dettaglio trascurabile.

Il brano mette sotto accusa senza attenuanti la vigliaccheria di chi prospera sulle conseguenze delle proprie azioni, fregandosene dell’impatto sul prossimo. “Chi te lo dà il diritto di uccidermi così?” è la domanda fondamentale, il nucleo politico e umano del pezzo, che richiama il principio elementare formulato da Albert Camus: “La libertà è, prima di tutto, non mentire”. Perché sottrarsi alla verità del danno provocato significa partecipare alla sua perpetuazione.

Sul piano musicale, la denuncia prende corpo in una sfuriata hard rock: riff essenziale e incalzante, voce in contrattacco e una sezione ritmica veloce e possente.

L’arco dei Woda Woda scaglia frecce esplicite e dirette contro chi confonde il successo con l’impunità, contro chi avanza come un carro armato, incurante di ciò che resta sotto i cingoli.

“Ogni tuo giorno hai distrutto la vita di qualcuno”: qui non c’è una metafora da addolcire, ma il conto di una responsabilità. Nessuna assoluzione per quel potere, esercitato anche lontano dai palazzi e dalle uniformi. Quello di chi decide per sé e scarica sugli altri il prezzo delle proprie scelte.

Nati nel 2020, i Woda Woda hanno costruito negli anni un percorso originale all’interno della scena rock italiana, sviluppando una forte identità artistica fondata sulla contaminazione tra musica, narrazione e simbolismo.

Dopo i primi singoli “Medusa”, “Portando la Pelle a Casa” e “Divano Giallo”, la band ha proseguito il proprio cammino con “We Are Biker Guys”, “P.U.B. (Prendimi, Usami e Buttami)”, “Sesso & Vino” e “Daisy”, consolidando uno stile che alterna ironia e critica sociale con atmosfere legate al rock più classico.

Tra il 2025 e il 2026 prende forma il progetto più ambizioso della band: “L’Ultimo Testamento”. Attraverso la figura di angeli caduti — Lucifer, Leviathan, Samael, Asmodeus e Behemoth — i Woda Woda costruiscono un universo narrativo che mette in discussione le tradizionali contrapposizioni tra bene e male, accompagnando l’ascoltatore in un viaggio tra conoscenza, dubbio e ricerca della verità, cambiando radicalmente sound e approccio compositivo.

L’uscita dei singoli “Veleno” e “Lady Mazikeen” anticipa la pubblicazione dell’album “L’Ultimo Testamento”, avvenuta il 16 gennaio 2026. Il disco rappresenta il primo capitolo di una saga più ampia che comprende anche un fumetto dedicato e introduce personaggi come Caino, Lucifer, Lady Mazikeen e i Demoni Maggiori all’interno di una narrazione destinata a svilupparsi nel tempo.

Nel corso del 2026 la Legione affronta importanti cambiamenti ed oggi i Woda Woda sono composti da Lucifer (voce), Leviathan (batteria), Behemoth (chitarra) e Paymon (basso).

La band è attualmente al lavoro sul nuovo concept album “L’Estinzione è Qui!”, un’opera che vedrà gli angeli caduti osservare l’umanità contemporanea dopo millenni di silenzio. Guerre, avidità, corruzione, manipolazione e ricerca del profitto diventeranno il punto di partenza di una nuova riflessione sul destino dell’uomo e sul mondo che egli stesso ha costruito.

Ad anticipare questo nuovo capitolo, nel luglio del 2026 è stato pubblicato “Sulla Luna”, il primo singolo estratto dall’album ed oggi è la volta di “Codardo Maledetto”, una denuncia feroce contro l’arroganza del potere e l’indifferenza di chi mette il proprio interesse davanti alla vita degli altri.

Link video: https://www.youtube.com/watch?v=p8NU4yqy25k

SIMONE BAROTTI LIVE A ROMA: IL 19 DICEMBRE ARRIVA "IL VAMPIRO NEI CLUB" AL CHARLESTON CLUB

 

SIMONE BAROTTI LIVE A ROMA: IL 19 DICEMBRE ARRIVA "IL VAMPIRO NEI CLUB" AL CHARLESTON CLUB

Un anno d'oro per l'artista: dal singolo al libro, passando per il doppiaggio, fino al grande concerto evento nella Capitale.

Roma si prepara ad accogliere una delle serate più attese dell'inverno musicale. Sabato 19 Dicembre 2026, alle ore 21:00, Simone Barotti salirà sul palco dello storico Charleston Club - Via di Porta Labicana 52, Roma - con il suo concerto evento "IL VAMPIRO NEI CLUB".

Un titolo che è già un manifesto artistico e che porta dal vivo l'universo musicale di Simone, tra ironia, introspezione e quella teatralità che da sempre lo contraddistingue.

Per Simone Barotti, cantautore, scrittore e diplomato in doppiaggio, il 2026 è stato un anno davvero d'oro. 

Un anno di consacrazione su più fronti che l'ha visto protagonista con l'uscita del suo nuovo singolo "Quello Che", accolto con grande entusiasmo dal pubblico e dagli addetti ai lavori, e con la pubblicazione del suo libro "Come un Vampiro" (ed Scatole Parlanti), che ha confermato la sua poliedrica vocazione alla scrittura. 

Musica e letteratura, voce e parola: due anime che si incontrano e che troveranno la loro massima espressione proprio sul palco del Charleston.

Ad aprire la serata ci penserà il cantautore Andrea Roma, artista dal cantautorato intenso e raffinato, che con il suo live introdurrà il pubblico nell'atmosfera della serata.

Ospite speciale della serata sarà la ballerina Chantal Saputo, che con la sua eleganza e la sua performance arricchirà lo show di Barotti, rendendo il concerto un'esperienza non solo musicale ma visiva e coreografica.

Lo show, prodotto da SI.FI.Records, promette scaletta inedita, momenti di racconto e le canzoni che hanno segnato il percorso artistico di Simone, in una location simbolo della nightlife romana, intima e d'impatto, perfetta per "Il Vampiro Nei Club".

Un appuntamento imperdibile per chi ha seguito l'evoluzione artistica di Barotti e per chi vuole scoprire dal vivo uno degli artisti più versatili e autentici della nuova scena italiana.

Love Ghost – pubblicano “Turpentine This House” / “Pointless”, singoli tratti dall’album “Thirteen”

 

“Thirteen” è probabilmente l’album più vulnerabile che abbia mai realizzato. 13 è l’età che avevo quando fui espulso da scuola, l’età in cui iniziai a sentirmi fuori posto. Credo che gran parte di questo disco nasca proprio da quella sensazione di osservare il mondo dall’esterno, senza farne parte. È un album di grunge acustico nello stile del Midwest, incentrato sull’isolamento, sull’identità e sul tentativo di trovare qualcosa di bello anche negli aspetti più cupi della vita. Sembra una raccolta di ricordi che forse avrei dovuto seppellire. Tredici brani in uscita venerdì tredici. “Turpentine This House” e “Pointless” fanno parte dell'album “Thirteen”.

“Turpentine This House” è un brano alternative rock acustico e ricco di pathos dei Love Ghost; è il secondo singolo che anticipa il loro prossimo album, Thirteen, in uscita a novembre. Scritta all’indomani dell’incendio Eaton — che costrinse la famiglia del frontman ad abbandonare la propria casa — la canzone esplora i temi della perdita, dello sradicamento e della sensazione complessa che si prova nel vedere svanire il luogo che un tempo si chiamava casa. Fondendo la scrittura cruda tipica dell’emo con la grinta e l’intimità del rock americano del Midwest, “Turpentine This House” appare al contempo profondamente personale e capace di risuonare con l’esperienza di chiunque. Il brano è caratterizzato da una strumentazione essenziale, un’interpretazione vocale carica di emozione ed una narrazione introspettiva.

“Pointless” racconta la storia di un viaggio dell’eroe con un risvolto inaspettato: l’antagonista non è una forza esterna, bensì il protagonista stesso. Il brano esplora la battaglia interiore legata alla depressione, il confronto con la propria mente e, infine, il rifiuto delle aspettative sociali a favore di una vita autentica. Nel profondo, “Pointless” parla della consapevolezza che, a volte, la battaglia più dura non è contro il mondo, ma contro quella versione di sé che il mondo ci ha insegnato a diventare. La canzone ripercorre quel cammino che va dall’isolamento e dall’insicurezza verso l’accettazione di sé, interrogandosi su cosa significhi davvero essere l’eroe della propria storia. Il testo cattura questa tensione con versi come: “Ogni strada porta a Roma / Immagino sia ora di tornare a casa / Ma nessuno ti dice mai / Che ogni eroe deve combattere da solo”.

Link video “Turpentine This House” : https://www.youtube.com/watch?v=RjD5P7LN7EI

Link video “Pointless:” https://www.youtube.com/watch?v=4ao63vYfSJM

Link streaming Spotify “Turpentine This House” e “Pointless” : https://open.spotify.com/intl-it/album/1Zt85DbaNF41kpUbqLM5MU

Biografia:

I Love Ghost sono una band alternative rock che fonde hard rock, metal, pop-punk, sonorità acustiche, rap e goth in uno stile unico e personale. I loro brani possiedono un'anima poetica ed emo, affrontando spesso di petto temi quali i traumi e le sfide legate alla salute mentale. Selezionati per il programma Rockpalast (trasmesso in tutta la Germania), si sono esibiti dal vivo in quattro continenti. Nel 2025 hanno suonato al Warped Tour di Los Angeles insieme ai Wiplash. In Messico hanno collaborato con artisti quali Wiplash, Adan Cruz, Ritorukai, Blnko e altri ancora.

A livello internazionale, hanno lavorato con The Skinner Brothers (Regno Unito) e Rico Nasty, oltre a realizzare un intero album con SKOLD. Hanno ottenuto riconoscimenti e menzioni da testate come Rolling Stone Magazine (oltre dieci volte), Sonic Seducer, Playboy, Time-Out Mexico, Clash Magazine, Alternative Press e molte altre. In Messico hanno vinto il Monster Award 2026 come miglior band rock. Hanno recentemente concluso il loro tour da headliner "Anarchy and Ashes", esibendosi in Austria, Polonia, Svizzera, Germania e Regno Unito; inoltre, tengono frequentemente concerti in tutto il Messico.

“Innsbruck Rendezvous”, il secondo EP in studio dei GoodMorning Cernobyl’

 

Il secondo EP in studio dei GoodMorning Cernobyl’, “Innsbruck Rendezvous”, segna un’evoluzione stilistica rispetto al precedente album “No Time To Fear”. Se nel primo lavoro a dominare era il punk ’77, con questo nuovo EP la band sceglie di sperimentare sonorità e concetti diversi, pur mantenendo come punto di partenza un sound grezzo e veloce.

L’obiettivo è superare i confini del classico “three-chord wonder”, esplorando una varietà di situazioni, suoni e tematiche che si intrecciano in un flusso di coscienza collettivo, capace di riflettere la sensibilità e la visione di ciascun membro della band.

TRACKLIST

UNDERFAITH – Ad aprire “Innsbruck Rendezvous” è una visione critica e diretta su temi attuali e controversi. Nel mirino finiscono le imposizioni estetiche e comportamentali, le guerre e le crociate moderne condotte in nome della fede. Un riff grezzo e frontale e un ritmo serrato trasformano l’energia del punk più ruvido e veloce in una riflessione cruda e onesta su quanto le ideologie influenzino anche i gesti più quotidiani.

MURDERER CITY – Uno sguardo tagliente e lucido sulla metropoli moderna, una città assassina che divora identità e natura umana in nome dell’omologazione imposta dal sistema. Un sistema che promette redenzione, ma finisce per anestetizzare: scandisce le giornate a ritmo di frenesia, impone orizzonti grigi e ripetitivi e soffoca immaginazione e creatività.

BRAVE NEW PEOPLE – Rabbia, velocità e zero compromessi: un brano che si trasforma in un vero e proprio manifesto di protesta contro l’alienazione e la claustrofobia sociale. “There’s time for heroes! Brave new people!” è il grido che si staglia sopra un muro di suono, dando voce a un’urgenza di cambiamento che non ammette compromessi. Puro impatto, pura ribellione.

TENSE/RESISTENCE – Un conflitto estenuante tra individuo e sistema, in cui la pressione costante dell’ambiente esterno si insinua nell’interiorità fino a trasformarsi in uno scontro personale. Il brano restituisce il ritratto sonoro di una tensione senza via di fuga, di una lotta impari che spinge l’individuo fino al limite della sopportazione.

HARAR – Considerato da molti un precursore dello spirito punk per la forza rivoluzionaria della sua scrittura, libera dalle convenzioni e dai dogmi del suo tempo, Arthur Rimbaud rappresenta il punto d’incontro ideale con l’universo sonoro dei Good Morning Cernobyl. La sua attitudine anticonformista e la sua tensione verso la libertà trovano così una naturale corrispondenza nell’identità della band.

I Good Morning Cernobyl’ nascono a Perugia nel 2018 con l’obiettivo di proporre un punk diretto e senza compromessi, con testi in inglese. Nel 2020 pubblicano l’omonimo EP d’esordio autoprodotto, realizzato con il supporto de La Cura Dischi e Jap Perù Records.

La pandemia interrompe l’attività live, ma la band continua a lavorare a distanza pubblicando il video di “Murderer City” e lo split di cover “Coverbyl #1 – Playing the Lock-down”. Con la riapertura dei concerti riprende l’attività dal vivo, affermandosi rapidamente nella scena punk del Centro Italia e iniziando la lavorazione del primo album.

Nel marzo 2023 esce “No Time to Fear”, accolto positivamente dalla critica italiana e internazionale e trasmesso da diverse radio europee, ottenendo ottimi riscontri anche sulle piattaforme di streaming. L’uscita del disco è accompagnata da un’intensa attività live, seguita dalla pubblicazione della cover di “Bite It You Scum” di GG Allin e da un tour in Germania.

Nel 2024 la band prosegue l’attività concertistica, condividendo il palco anche con The Rumjacks e The Drowns, mentre lavora al nuovo album.

Nel 2024 entrano nel roster Sorry Mom!, pubblicando i singoli “Brave New People”, “Underfaith”, “Murderer City”, “Tense/Resistance” “Harar”, tutti inseriti nell’EP “Innsbruck Rendezvous” uscito ad ottobre 2026.

La formazione è composta da Giuliano Picciafuoco (voce e chitarra), Massimo Margaritelli (voce e basso), Lorenzo Bonamente (voce e batteria) e Francesco Panunzi (voce e chitarra).

ASCOLTA “INNSBRUCK RENDEZVOUS”!

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biovoid – esce “I Pray And Obey”

 

Con “I Pray And Obey”, i biovoid affrontano il tema del confronto con le proprie incertezze e del peso delle scelte quotidiane, dando voce a quel senso di smarrimento che accompagna i momenti più difficili della vita.

Il brano racconta un percorso di vulnerabilità e introspezione, in cui la ricerca di un punto di riferimento si intreccia con la necessità di trovare dentro di sé la forza per andare avanti. Attraverso immagini che evocano il dolore, il bisogno di calore e la ricerca di stabilità, emerge la volontà di affrontare gli ostacoli senza lasciarsi spezzare dalle difficoltà.

È proprio nel superamento dei dubbi e delle esitazioni che prende forma una nuova consapevolezza: le esperienze vissute, anche quelle più dolorose, possono diventare strumenti di crescita e trasformazione.

“I Pray And Obey” si sviluppa così come una riflessione sulla resilienza e sulla capacità di ritrovare una direzione, fino a raggiungere una rinnovata forza interiore.

Un brano che esplora il confine tra fragilità e determinazione, trasformando la ricerca di una guida in un percorso di resistenza e rinascita personale.

I biovoid sono un progetto musicale italiano nato nel novembre 2017 dall’incontro tra Massimiliano Guida (voce) e Domenico Giordano (chitarra e basso), con il coinvolgimento di Adriano Giordano nella fase iniziale.

Fin dagli esordi, il progetto si distingue per la volontà di fondere linguaggi musicali differenti, dando vita a un sound personale e difficilmente riconducibile a un unico genere, capace di alternare atmosfere intime a sonorità elettroniche e sperimentali.

Dopo la pubblicazione dei primi singoli, il percorso dei Biovoid evolve con l’ingresso di Fortunato Serranò, fonico e polistrumentista, che assume un ruolo centrale nello sviluppo della produzione e degli arrangiamenti. Il suo contributo segna una svolta nella ricerca sonora del progetto, orientandolo verso una maggiore cura dei dettagli, un’esplorazione più approfondita delle texture e una visione produttiva sempre più definita.

Parallelamente alla ricerca musicale, i biovoid sviluppano un immaginario visivo che accompagna e amplifica la loro identità artistica. Fondamentale è la collaborazione con Francesco “Deddì” Calendini, autore delle cover art di diversi brani, tra cui “Invincible” e “No Land”. Il dialogo tra musica e arti visive si arricchisce nel tempo grazie al contributo di altri artisti, tra cui Giampiero Wallnofer, autore della copertina di “Hypnagogia”, e Roberto Recchioni, che firma l’artwork di “Far Beyond”, primo singolo pubblicato con l’etichetta Sorry Mom!.

Nel 2025 i Biovoid pubblicano “Invincible”, un brano alternative rock dal forte impatto emotivo che affronta il tema della fragilità e della capacità di restare saldi di fronte alle difficoltà. Il videoclip ufficiale ottiene importanti riconoscimenti in ambito cinematografico, venendo selezionato e premiato al Festival Internazionale del Cinema di Salerno e al The Hague Film Festival.

Questa fase segna un ulteriore momento di maturazione artistica per i biovoid, che consolidano un percorso in cui musica e immagine si intrecciano in modo sempre più consapevole. Un progetto in continua evoluzione, che fa della sperimentazione sonora, dell’introspezione e della ricerca visiva gli elementi fondamentali della propria identità.

ASCOLTA “I PRAY AND OBEY”!

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I Tune A Ton presentano “GAME OVER”

 

I Tune A Ton presentano “GAME OVER”, un singolo che unisce l’energia del rock alternativo a sfumature funk, dando vita a un sound potente, moderno e diretto. Chitarre graffianti, ritmiche incalzanti e linee melodiche incisive si intrecciano in un brano dal forte impatto, capace di coniugare immediatezza e ricerca sonora.

Al centro del pezzo c’è la resilienza, raccontata attraverso le difficoltà che attraversano la vita quotidiana: il fallimento, il senso di impotenza e la pressione di una società che chiede continuamente di dimostrare il proprio valore. “GAME OVER” affronta queste sensazioni senza filtri, trasformandole in un invito a reagire, ritrovare il proprio equilibrio e imparare a guardare gli ostacoli da una prospettiva diversa.

Il progetto dei Tune A Ton nasce proprio dall’esigenza di dare voce a chi si trova ad affrontare le proprie battute d’arresto, ricordando che anche una sconfitta può diventare un punto di partenza. La musica si fa così espressione di una rivalsa personale, in cui la forza non sta nell’evitare le cadute, ma nella capacità di rialzarsi senza perdere sé stessi.

Con “GAME OVER”, i Tune A Ton trasformano le difficoltà in un messaggio di consapevolezza e rinascita: perché ogni fine può aprire la strada a un nuovo inizio, affrontando le sfide con lucidità, determinazione e la voglia di ripartire.

I Tune A Ton sono una band funk-rock originaria di Alba (CN), composta da cinque musicisti: Francesco Mossio alla voce, Giorgio Marengo alla chitarra, Umberto Bubbio a organo e tastiere, Riccardo Brandino al basso e Gabriele Costa alla batteria. Uniti dalla passione per il groove e dalla voglia di portare sul palco un sound fresco e personale, propongono un repertorio interamente originale.

La loro musica nasce dall’incontro tra funk, rock e blues, con influenze pop e linee vocali che alternano melodie e sezioni rap. Il risultato è un mix dinamico e contemporaneo, caratterizzato da ritmiche incisive, energia e una forte attitudine live, capace di coinvolgere il pubblico fin dalle prime battute.

A ottobre 2025 pubblicano “Funky Seaside”, il loro primo EP, composto da quattro brani inediti dalle sonorità marcatamente funk, che raccontano e definiscono l’identità musicale della band.

Nel 2026 i Tune A Ton partecipano al Vicenza Rock Contest, conquistando il primo posto, il premio della critica e diversi riconoscimenti individuali per i componenti della band. Il 16 luglio dello stesso anno prendono parte a Sanremo Rock, vincendo la competizione e conquistando l’accesso alla fase successiva, in programma il 4 settembre a Ferrara, per le finali del Nord Italia.

ASCOLTA “GAME OVER”!

Spotify: https://bit.ly/4iBQvVh

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“Concrete in My Veins” è il nuovo singolo degli Stoned Turtle

 

“Concrete in My Veins” è il nuovo singolo degli Stoned Turtle, un brano che mette in musica il peso delle ferite, dei silenzi e di tutto ciò che, accumulandosi nel tempo, finisce per irrigidire il nostro modo di stare al mondo. Il cemento del titolo scorre nelle vene, occupa lo spazio del battito e lascia dietro di sé una traccia spettrale: “Concrete in my veins, the heartbeat’s just a ghost”. Il corpo continua a esistere, ma qualcosa al suo interno si è pietrificato.

La scrittura si basa su attriti e dualità: le voci si rispondono, basso e chitarre dialogano in uno stimolante botta e risposta, le coordinate dell’alternative metal in stile Breaking Benjamin si rivestono di una ruvidità grunge di scuola Alice in Chains. La musica stessa diventa così un confronto continuo, una lotta fra ciò che trattiene e ciò che preme per uscire.

Il videoclip riprende questa immagine in un edificio abbandonato, tra pareti di cemento a vista e superfici ricoperte di graffiti. I materiali grigi, segnati dal tempo e dall’incuria, incontrano il colore lasciato sui muri: tracce di vita che incrinano l’immobilità. L’alienazione viene espressa anche dalla presenza della band stessa: non a caso, pur suonando nello stesso luogo, non compare mai insieme. Come nella canzone, anche qui qualcosa si fa strada dentro una struttura apparentemente condannata a restare com’è. Il colore non cancella il degrado, ma apre uno spazio, suggerisce un possibile movimento che può portare lontano da una condizione immutabile.

Nel testo, la svolta arriva quando il dolore smette di essere una prigione e diventa qualcosa da infrangere: “Rise up from the mud, a light that cannot die”. Cancellarlo non è possibile, ma si può uscirne seguendo quel bagliore di luce. “I won’t yield to the static, I remain the storm” condensa il punto di rottura: smettere di subire l’immobilità e trovare la forza della tempesta per incrinare anche la materia più resistente.

Gli Stoned Turtle nascono a Genova nel 2018 con i piedi nel grunge e la testa in sonorità più sperimentali e pesanti.

Dopo il debutto con il primo disco omonimo registrato al Blackwave Studio di Fabio Palombi (Nerve, Burn The Ocean), la band ha intrapreso un percorso di crescita e nel 2024 ha integrato un nuovo cantante e chitarrista, spingendo il sound verso una dimensione più densa e compatta, alzando l’asticella senza mai tradire l’energia viscerale degli esordi.

Questa nuova maturità è esplosa nell’EP “Nothing Left But Silence” (ottobre 2025), dove il rock d’impatto di brani come Beheaded ha confermato un’attitudine autentica che non ha paura di sporcarsi le mani con influenze metal.

Il 2026 segna il momento della spinta definitiva: l’ingresso nel roster di Sorry Mom! (Marco Biondi, Luca Bernardoni) e l’uscita del singolo “Human” (aprile 2026) consolidano un progetto ormai totalmente a fuoco e consapevole.

Il videoclip ufficiale di Human esce ad aprile 2026 in anteprima per TuttoRock Magazine.

A luglio 2026 la band si affida nuovamente alle sapienti mani di Fabio Palombi (Blackwave Studio) per registrare un nuovo disco intitolato “Before the Light Goes Out” contenente 8 brani inediti, frutto di un anno di lavoro in sala prove.

A differenza del precedente “Nothing Left But Silence”, i nuovi brani si focalizzano maggiormente sul riffing, su brani più diretti e su sonorità ancora più vicine all’Alternative e al Metal, pur mantenendo la matrice Grunge e 90’s.

L’uscita dell’album è prevista per i primi mesi del 2027 e sarà preceduta dall’uscita di due singoli.

Link video: https://www.youtube.com/watch?v=yUXs6FWGl8U

“Nella ruota del topo”, nuovo singolo dei Black Project

 

C’è una corsa che occupa le giornate, prosciuga le forze e lascia sempre al punto di partenza. È quella raccontata da “Nella ruota del topo”, nuovo singolo dei Black Project, che punta lo sguardo sulle storture del lavoro contemporaneo: contratti da firmare, banche da soddisfare, ritmi che divorano il tempo e un sistema che impone di correre senza concedere una vera via d’uscita.

La figura del topo in gabbia rispecchia l’assurdità di questo meccanismo: muoversi senza avanzare, consumare la propria esistenza per tenere in funzione una macchina che restituisce sempre meno. Poi qualcosa si incrina. Il contratto viene strappato, le catene spezzate, la fuga diventa una scelta concreta. Non c’è, però, una libertà già pronta ad aspettare dall’altra parte. C’è un precipizio, il vuoto lasciato dalle vecchie certezze, la paura di non sapere cosa verrà dopo. È proprio qui che il brano trova il suo nodo più umano: uscire dalla gabbia significa rinunciare anche alla sicurezza che la gabbia, per quanto soffocante, sembrava garantire.

Sul piano musicale, i Black Project scelgono le asperità del nu metal, con un basso in primo piano e le corde a costruire un impianto ruvido, attraversato da scratch fin dall’apertura. Le strofe affidate al rap incalzano il racconto, il ritornello melodico rende più universale quello “sguardo perso” che non ha “il coraggio di guardare oltre il precipizio”, mentre il growl del bridge porta in superficie la rabbia rimasta compressa fino a quel momento. Un impasto che può parlare a chi ha apprezzato gli Extrema insieme a J-Ax e che osserva il conflitto tra obbedienza e autodeterminazione.

Meglio una gabbia che garantisce stabilità o un tuffo nell’ignoto?

I Black Project nascono nel 2019 a Bienate, alle porte di Milano, dall’incontro di musicisti uniti dalla voglia di costruire un’identità sonora personale.

Il progetto prende forma dopo esperienze maturate dai componenti dentro e fuori la musica, con il primo brano “Veleno”, registrato con Mattia Stancioiu, batterista dei Labyrinth.

Nel novembre 2023 pubblicano “Mr. Nessuno”, album d’esordio composto da nove tracce e frutto di due anni di ricerca e sperimentazione. Il disco intreccia influenze rock e metal con atmosfere moderne, riflettendo le diverse radici musicali della band.

Nel 2024 il gruppo si distingue al concorso “Zocca – Paese della Musica”, classificandosi nelle prime posizioni; il risultato li porta ad aprire per Vasco Rossi allo stadio San Nicola di Bari, il 19 giugno dello stesso anno.

Sempre nel 2024, i Black Project raggiungono le Finali Nazionali di Sanremo Rock.

Nel 2026 entrano nel roster dell’etichetta indipendente Sorry Mom!, inaugurando una nuova fase del proprio percorso basata su una ricerca sonora più consapevole, anche grazie all’evoluzione della formazione. Oggi la band prosegue il proprio cammino ampliando i confini del suo linguaggio, tra radici rock, metal, rap e sensibilità melodica.

Link video: https://www.youtube.com/watch?v=ROqJ5eD4tNA

THE ROOWENS – esce “Motorcycle Blues”

Un’ode alla motocicletta e all’emozione della strada, tra atmosfere dilatate, spirito blues e il desiderio di lasciarsi tutto alle spalle.

Chiudere gli occhi, ascoltare il rombo del motore e lasciarsi trasportare. Con “Motorcycle Blues”, i The Roowens trasformano la passione per le due ruote in un’esperienza musicale intima e viscerale, un omaggio alla libertà del viaggio e a quelle sensazioni che soltanto la strada sa regalare.

Una strada panoramica e deserta, il tramonto all’orizzonte, il profumo dell’aria che si mescola a quello della benzina: sono queste le immagini evocate dal brano, che racconta un legame profondo con la motocicletta e con l’emozione di viaggiare senza fretta, seguendo soltanto il proprio istinto. Perché chi ama le due ruote conosce bene quella sensazione di assoluta libertà, difficile da descrivere a parole, ma forse capace di trovare nella musica la propria espressione più autentica.

“Motorcycle Blues” si sviluppa come un viaggio sonoro disteso e dilatato, libero da costrizioni e convenzioni, proprio come un percorso in moto in cui a contare non è la destinazione, ma ogni singolo istante vissuto lungo la strada. Il brano invita l’ascoltatore a immergersi nelle sue atmosfere, lasciando spazio alle sensazioni e al piacere di perdersi nel momento.

Con questa traccia, i The Roowens condividono una passione che diventa linguaggio musicale e racconto personale. Basta immaginarsi in sella, mentre il sole scende all’orizzonte e la strada si apre davanti a sé: per qualche minuto, non esiste nient’altro.

Perché a volte la libertà ha il suono di un motore, il ritmo di un blues e tutto il tempo del mondo davanti.

Attivi dal 2022, i The Roowens nascono da una forte affinità con le sonorità punk rock, radice di un’identità musicale che nel tempo si è evoluta, aprendosi a nuove influenze e a un approccio più maturo e ricercato.

La crescita del progetto si riflette anche nel songwriting, che si orienta verso un rock diretto, immediato e accessibile, senza perdere l’energia delle chitarre distorte e l’attitudine rock che contraddistingue la band.

A definire l’immaginario dei The Roowens contribuiscono atmosfere e suggestioni ben precise: il sound californiano, il fascino della strada e la passione per le motociclette. Elementi che si intrecciano nella loro musica, dando forma a un’identità in continua evoluzione, capace di coniugare spontaneità, energia e una rinnovata ricerca sonora.

ASCOLTA “MOTORCYCLE BLUES”!

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“Benzodiazepine”, il nuovo singolo degli After Midnight 00.01

Un riff blues conturbante apre “Benzodiazepine”, il nuovo singolo degli After Midnight 00.01, e prepara il terreno a una voce che sembra aver perso ogni punto di riferimento. La linea vocale sale fino alla vetta, si sporge nel vuoto e precipita, come un carrello sulle montagne russe che non concede al passeggero il tempo di capire cosa lo aspetta. Le note riproducono così lo stesso sbandamento raccontato dal brano: un continuo cambio di quota per chi non riesce più a distinguere il confine fra immaginazione e sogno.

“Benzodiazepine” racconta il delirio provocato dalla privazione del sonno, quando il dolore impedisce di riposare e la coscienza rimane accesa, incapace però di governare ciò che accade nella mente.

Da settimane rabbia, paura e disperazione si rincorrono senza concedere tregua, fino a presentarsi ogni sera, puntuali alle sette, per riprendersi tutto lo spazio disponibile. Il corpo diventa estraneo, persino le mani sembrano appartenere a qualcun altro, mentre le lacrime non accennano a fermarsi.

In questo circuito, le benzodiazepine promettono una pausa: nove minuti di fila in cui il rumore può finalmente interrompersi, prima che la giostra riparta da capo. Non c’è una vera via d’uscita in quell’intervallo, soltanto il sollievo provvisorio di chi è arrivato al limite e vorrebbe smettere di combattere. Quando anche il riposo diventa irraggiungibile, resta un desiderio essenziale, quasi disarmante nella sua semplicità: essere stretti in un abbraccio, sentire qualcuno vicino, trovare un modo perché tutto questo finisca.

Gli After Midnight 00.01 affidano alla voce il compito di attraversare questo precipizio emotivo, seguendone gli scarti e le accelerazioni. Le montagne russe di “Benzodiazepine” non portano verso un traguardo: girano dentro una notte che sembra non finire mai, alla ricerca di una tregua abbastanza lunga da poter tornare a respirare.

“Benzodiazepine” è contenuta nell’album “After Midnight 00:01”.

Gli After Midnight 00.01 nascono nel 2017 tra Nuoro e Dorgali dall’incontro tra Andrea Ledda e Mario Fancello, musicisti accomunati da una forte passione per il rock legato alla strada, al viaggio e alla dimensione live. Insieme a loro prendono parte al progetto Antonio Senette al basso e Francesco Masuri alla batteria, contribuendo alla costruzione delle prime basi sonore della band.

Dopo un primo periodo dedicato anche alle cover, il gruppo concentra progressivamente il proprio lavoro sulla scrittura di brani originali, sviluppando un’identità costruita attorno a hard rock, blues ed energia dal vivo.

Il nome After Midnight 00.01 nasce dalle prove notturne della band, ma col tempo assume un significato più simbolico: il momento esatto in cui qualcosa si mette in moto e il viaggio comincia.

Nel 2024 esce il primo singolo ufficiale, “Dirty Blues”, che inaugura il percorso discografico della band.

Nello stesso periodo la formazione cambia volto con l’ingresso di Andrea Burattin e Nicola Ceccato, musicisti già attivi nei Panorama Kaiser e nel progetto elettronico Ekreep.

Il 2025 porta diversi singoli e la pubblicazione fisica dell’album “After Midnight 00:01” in una limited edition di 100 copie numerate contenente il brano esclusivo “After Midnight”.

A gennaio 2026 il disco arriva finalmente sulle piattaforme digitali, accompagnato dal singolo “This Song Is a Lie”, dall’edizione in CD e dalla stampa in vinile. La band porta il progetto in tour tra Sardegna e penisola italiana con il “Rock in Progress Tour”, mentre prosegue il lavoro sul nuovo materiale in studio.

Oggi gli After Midnight 00.01 collaborano con Sorry Mom! per management, promozione e sviluppo del progetto.

ASCOLTA “BENZODIAZEPINE”!

https://ffm.to/aftermidnight0001-aftermidnight0001

 

I Latitudine45 tornano con “Fosforo”

 

I Latitudine45 tornano con “Fosforo”, un singolo introspettivo che esplora il peso del tempo, la perdita di identità e la ricerca di autenticità nella vita moderna.

Una traccia profonda, sincera e diretta, che racconta la lotta quotidiana per non smarrire se stessi e continuare a credere nei propri sogni.

Con “Fosforo”, i Latitudine45 danno voce a chi cerca di orientarsi in una quotidianità sempre più frenetica, dominata da convenzioni sociali, relazioni superficiali e connessioni filtrate dagli schermi. Il tempo scorre inesorabile, le maschere da indossare diventano parte della routine e il bisogno di rapporti autentici si scontra con una realtà cittadina che anestetizza, svuota e allontana da ciò che conta davvero.

In questo scenario, il rifugio nel mondo digitale sembra offrire una via di fuga, ma rischia di trasformarsi in un ulteriore elemento di alienazione. I ricordi si fanno sfocati, la memoria vacilla e l’identità personale sembra dissolversi in un avatar, fino a rendere difficile riconoscere chi eravamo e quanto siamo cambiati. È il ritratto di una società fredda e individualista, in cui la ricerca di connessioni profonde si scontra con una crescente sensazione di solitudine.

Eppure, “Fosforo” non si ferma alla disillusione. Sotto il senso di vuoto emerge una scintilla di resistenza, una spinta a reagire e a ritrovare la propria direzione. Il brano si apre così alla speranza e alla volontà di difendere la propria autenticità, senza rinunciare ai sogni e alla possibilità di costruire un futuro diverso.

Con una scrittura intima e diretta, i Latitudine45 trasformano il disorientamento contemporaneo in una riflessione personale e universale, dando voce a quella tensione tra ciò che siamo, ciò che mostriamo e ciò che vorremmo ancora diventare.

“Fosforo” è una traccia da ascoltare e ritrovare nelle proprie giornate, capace di accompagnare l’ascoltatore in un viaggio interiore che, anche nei momenti di maggiore incertezza, lascia spazio alla possibilità di ripartire.

I Latitudine45 (LTD45) nascono dall’incontro quasi casuale tra musicisti durante una festa di compleanno. È l’intuizione di Andreino a dare il via al progetto, riunendo Dj Ego e Bulby attorno a una visione musicale capace di superare i confini dei generi. Prende così forma un sound originale e contaminato, in cui hard rock, reggae, dub e hip hop si fondono in un mix dal forte impatto sonoro e dalla spiccata libertà espressiva.

Dopo una prima fase di ricerca e sperimentazione, la formazione si completa con l’ingresso di Phobia alla voce e Dj Raiz agli scratch, contribuendo a definire ulteriormente l’identità sonora della band.

Nel corso del tempo, il progetto attraversa diversi cambi di formazione. Dj Ego porta avanti anche il proprio percorso solista, continuando a collaborare attivamente con il gruppo attraverso idee e contributi creativi. Alla chitarra solista arriva Marco, che mette a disposizione la propria esperienza e personalità musicale, arricchendo il sound della band con nuove prospettive.

Tra prove, sperimentazioni e la realizzazione di un primo demo, i Latitudine45 iniziano a consolidare la propria identità e a farsi conoscere nella scena musicale.

Un percorso in continua evoluzione, sostenuto da una forte coesione, da un’attitudine live energica e dalla volontà di esplorare nuove possibilità sonore senza perdere la propria essenza.

Oggi i Latitudine45 sono al lavoro su un nuovo disco, previsto per il 2026, con l’obiettivo di spingere ancora più avanti i confini della propria musica e rinnovare un’identità che trova nella contaminazione, nella sperimentazione e nell’energia dal vivo i suoi tratti distintivi.

ASCOLTA “FOSFORO”!

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EGO DIVIDED – ecco “The Abyss”

 

Chi ha detto che il death metal debba parlare soltanto di fiamme, sangue e distruzione, senza lasciare spazio a riflessioni filosofiche? Nel secondo album degli Ego Divided, Nietzsche e Schopenhauer diventano riferimenti palesi di un percorso che scava nelle contraddizioni dell’individuo e della società. L’obiettivo di “The Abyss” è squarciare il velo delle illusioni per guardare in faccia l’abisso interiore e collettivo.

Il riferimento è al velo di Maya, il concetto filosofico che descrive l’inganno dei sensi e la difficoltà di accedere alla realtà autentica delle cose. Nella visione di Schopenhauer, il mondo percepito è una rappresentazione e superarne le apparenze richiede vie di liberazione come la pietà, l’ascesi e l’arte, con un ruolo privilegiato per la musica.

Dal risveglio interiore e dalle ossessioni quotidiane di “R.U.S.T.”, “Empty Ego” e “From the Abyss” alle accuse rivolte a finzioni, paranoia e odio in “Reflections”, “Coward’s Mask” e “Fury of Hatred”, il disco allarga progressivamente lo sguardo. “Totally Blind” denuncia la cecità alimentata dai media, “Infernal Blood Sucker” affronta il ripetersi della violenza, mentre “Lake of Blood” mette in relazione la tragedia storica di Geronimo con i conflitti contemporanei. A tenere insieme questi temi è un Melodic Death Metal fatto di riff affilati, ritmiche serrate e aperture melodiche.

“The Abyss” è il secondo album in studio degli Ego Divided, band palermitana che consolida qui la propria identità musicale melodic death metal. Registrato, mixato e masterizzato al Rock Zone Studio di Palermo, il disco raccoglie nove brani dedicati alle zone più contraddittorie della psiche, alle distorsioni della società e alle ferite lasciate dalla storia.

TRACKLIST

R.U.S.T. (REPETITIVE UNCONSCIOUS STERILE THOUGHTS)

L’intro affronta il peso dei pensieri ossessivi e la ricerca di un senso nell’esistenza. Per interrompere il ciclo della sterilità mentale, invita a cambiare prospettiva e a riconoscere il valore di ciò che già ci circonda.

EMPTY EGO

Il brano invita a risvegliare la coscienza e a sottrarsi alle distrazioni del mondo esterno. Guardarsi dentro diventa il primo passo per ritrovare la propria direzione e riattivare l’immaginazione contro il vuoto esistenziale.

REFLECTIONS

La ricerca della ricchezza materiale e l’ossessione per la propria immagine finiscono per oscurare ciò che conta davvero. Il brano richiama il valore della semplicità e di ciò che resiste al tempo, lasciando un segno duraturo.

COWARD’S MASK

Un attacco alle insicurezze che alimentano paranoia e megalomania, nascondendosi dietro il vittimismo e una superiorità di facciata. La maschera protegge dal giudizio altrui, ma coltivare invidia e ostilità immaginarie conduce all’autodistruzione.

INFERNAL BLOOD SUCKER

Una presenza parassitaria attraversa i secoli, nutrendosi di sangue e conoscenza per giustificare i conflitti e deformare la realtà attraverso la menzogna. Di fronte al ripetersi della violenza, il brano esprime il desiderio di spezzare un meccanismo che sembra non conoscere fine.

TOTALLY BLIND

La cecità collettiva di fronte ai problemi sociali viene ricondotta a una comunicazione manipolata, che orienta l’opinione pubblica e scoraggia la partecipazione. Il brano esorta a sottrarsi a questo condizionamento e a sviluppare un pensiero autonomo.

FURY OF HATRED

La psiche diventa teatro di un conflitto fra odio, misantropia, dipendenza e ricerca di solitudine. Rabbia e desiderio di controllo si alimentano a vicenda, fino a sfociare nell’impulso di possedere e distruggere.

LAKE OF BLOOD

Il massacro di Kaskiyeh del 1858 e la vicenda di Geronimo diventano il punto di partenza per un parallelismo con le guerre contemporanee. Tradimenti, espropriazioni e propaganda mostrano come la rappresentazione del nemico continui a giustificare la morte degli innocenti, lasciando aperta una domanda: chi perde davvero quando i massacri si ripetono?

FROM THE ABYSS

Squarciare le proprie illusioni significa precipitare in un territorio interiore fatto di angoscia e domande sull’identità e sul senso dell’esistenza. Una volta caduto il velo, tornare all’inconsapevolezza diventa impossibile: resta il confronto con i propri pensieri e la ricerca di una via d’uscita.

Gli Ego Divided sono una band death metal fondata a Palermo nel 2005 dal chitarrista Massimo Masi. Nel corso degli anni hanno sviluppato un linguaggio che accosta la velocità e l’impatto del death metal alle strutture articolate del progressive. Dal 2012, l’ingresso del cantante e paroliere Mauro Tagliavia ha contribuito a definire la dimensione lirica del progetto.

Dopo il debutto omonimo del 2024 e alcuni cambi di formazione, la band ha lavorato al secondo album, “The Abyss”, anticipato dai singoli “Totally Blind”, “Reflections”, “Fury of Hatred” ed “Empty Ego”. Il disco segna l’ingresso ufficiale del chitarrista Ermanno Siino e del batterista Manfredi Mansueto, già negli State of Neptune.

Le registrazioni documentano anche il passaggio fra diverse fasi della formazione: la maggior parte delle parti di chitarra è stata incisa da Siino al fianco di Masi, mentre due brani vedono la partecipazione dello storico chitarrista Alberto Zimone. Mansueto ha registrato quasi tutte le parti di batteria, con l’eccezione di tre tracce affidate a Phil Spinelli dei Tol Morwen.

La formazione attuale comprende Mauro Tagliavia (voce), Massimo Masi (chitarra), Ermanno Siino (chitarra), Alessio Lopes (basso) e Manfredi Mansueto (batteria).

ASCOLTA “THE ABYSS”!

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“In 13 Minuti Scarsi”, il nuovo EP di Marco Catch

 

“In 13 Minuti Scarsi”, il nuovo EP di Marco Catch, raccoglie in quattro tracce un racconto intimo e disincantato fatto di aspettative, piccole disillusioni quotidiane e momenti di consapevolezza. Un lavoro essenziale, costruito intorno a sonorità acustiche e a una scrittura diretta e introspettiva, che mette al centro la distanza tra ciò che immaginiamo e ciò che realmente accade. Sullo sfondo, il bisogno di fermarsi, fare i conti con la realtà e provare a ritrovare la propria direzione.

TRACKLIST

Vortice

Un susseguirsi di sensazioni e domande aperte che raccontano il caos della mente e una condizione di profonda inquietudine. Al centro del brano c’è il bisogno di fermarsi, prendere fiato e provare a ritrovare il proprio equilibrio.

Ci Spero Sempre

Una riflessione sulle aspettative, sugli ideali e sulla distanza che spesso li separa dalla realtà quotidiana. Tra ironia e disillusione, il brano racconta la difficoltà, ma anche la necessità, di continuare a credere in qualcosa nonostante tutto.

Per Le Strade

Un ritorno ideale all’infanzia e alla semplicità dei cortili, messi a confronto con un presente più complesso e disilluso. Il brano diventa così un invito a recuperare quella leggerezza e a vivere gli istanti prima che la realtà finisca per imporre le proprie regole.

Il Gitano

Il ritratto di un viandante solitario che attraversa luoghi e distanze alla ricerca di risposte e di qualcosa capace di riaccendere le sue passioni. Una figura in continuo movimento, sospesa tra il timore di lasciarsi alle spalle le proprie ferite e il bisogno di rimettersi in cammino.

Marco Catch è un cantante e compositore attivo sulla scena musicale dai primi anni Duemila. Dal 2010 al 2015 è la voce della rock band Borderline, con cui si aggiudica diversi contest del circuito underground, tra cui Rock Targato Italia, Band of the Year e Zombie Rock, arrivando a esibirsi su palchi come l’Alcatraz di Milano e il Forum di Assago.

Nel 2023 intraprende il proprio percorso solista, orientandosi verso un cantautorato sperimentale nel quale confluiscono la sua esperienza rock e una ricerca musicale più personale. Dal 2024 è inoltre la voce degli Oslavia, formazione alternative rock con cui pubblica nuova musica e porta avanti un’intensa attività live.

ASCOLTA “IN 13 MINUTI SCARSI”!

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Luca & The Tautologists tornano con una nuova versione di “Julie Hit Her Head”

 

Luca & The Tautologists tornano con una nuova versione di “Julie Hit Her Head”, brano originariamente pubblicato all’inizio del 2025 e ora riproposto in una veste completamente rinnovata. Un reboot che, attraverso un nuovo mix e parti vocali interamente rivisitate, restituisce ulteriore profondità a una composizione in cui rock, alt-country e psichedelia si intrecciano con suggestioni rétro e atmosfere cinematografiche.

Il progetto, guidato dall’instancabile Luca Crippa e sostenuto dalla sezione ritmica dei Tautologists, composta da Paolo Roscio e Deneb Bucella, prosegue il proprio percorso musicale tra sperimentazione e richiami alla tradizione cantautorale del Greenwich Village. In “Julie Hit Her Head” convivono influenze progressive, jazz e funk, arricchite dagli interventi della chitarra lap steel, che contribuiscono a definire il carattere evocativo e imprevedibile del brano.

A rendere ancora più particolare la composizione è la storia che ne ha ispirato il testo: una fotografia vintage scattata durante le riprese del film cult “Il mostro della laguna nera” (1954), diretto da Jack Arnold.

L’immagine, reinterpretata anche nel disegno di copertina realizzato da Stefano Bonora, immortala un curioso momento fuori dal set: l’attrice Julie Adams, ferita alla testa durante le riprese di una scena, è inginocchiata mentre viene assistita da un’infermiera, dagli altri attori e dal regista. Accanto a lei compare persino un preoccupatissimo uomo-pesce, involontario responsabile dell’incidente dopo averle fatto urtare la fronte contro una stalattite durante la sequenza del rapimento e della fuga nella caverna.

Da questo episodio apparentemente marginale prende forma una riflessione più ampia sul fascino, sulla vulnerabilità e sulla capacità di un istante imprevisto di trasformarsi in qualcosa di eterno. Julie, immortalata in un momento di fragilità, diventa il simbolo di una bellezza destinata a sopravvivere al tempo, forse senza esserne pienamente consapevole.

La fotografia di Julie Adams ha rappresentato, infatti, anche il punto di partenza creativo per “Poetry In The Mean-Time”, album di Luca & The Tautologists che ruota attorno alla possibilità di riconoscere la poesia nei momenti apparentemente secondari della vita.

Il disco si prepara ora a tornare in una nuova versione, con mix aggiornati e nuove tracce vocali, a due anni dalla prima pubblicazione indipendente. Un lavoro che aveva già raccolto apprezzamenti dalla critica musicale e trovato una propria dimensione sul palco, attraverso numerose esibizioni dal vivo.

Con “Julie Hit Her Head”, Luca & The Tautologists anticipano così questa nuova fase del progetto, confermando una scrittura capace di trasformare immagini, suggestioni e piccoli incidenti della storia del cinema in racconti musicali originali, sospesi tra passato e presente.

Luca Andrea Crippa porta avanti il proprio percorso artistico come cantautore con il progetto Luca & The Tautologists, dando vita a una proposta musicale che intreccia la tradizione del songwriting del Greenwich Village con sonorità elettriche e psichedeliche.

Dopo oltre quarant’anni di attività nel mondo della musica, prevalentemente dal vivo, e diverse collaborazioni discografiche in veste di produttore e chitarrista, Crippa ha intrapreso con decisione una nuova fase creativa, caratterizzata da un’intensa produzione di brani e pubblicazioni discografiche che ne confermano la continua evoluzione artistica.

ASCOLTA "JULIE HIT HER HEAD”!

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“Stanze d’hotel” è il nuovo singolo di Alan Michael

 

“Stanze d’hotel” è il nuovo singolo di Alan Michael, un brano che parte dalla fine di un amore per allargare lo sguardo a qualcosa di più universale: la continua ricerca di ciò che ci manca e la difficoltà di riconoscere quello che, invece, abbiamo già davanti.

Le stanze del titolo sono prima di tutto le persone. Stanze diverse, vicine o lontane, abitate da storie, ricordi e sentimenti che non sempre riescono a incontrarsi. Gli hotel diventano così la metafora di un mondo fatto di migliaia di luoghi e altrettante anime vaganti, alla ricerca di qualcosa che spesso non sanno nemmeno definire.

All’interno di questo immaginario prende forma anche la storia raccontata dalla canzone: un amore arrivato a un punto di distanza, ma non completamente dissolto. Due persone diventate quasi irraggiungibili, separate dalle incomprensioni e da tutto ciò che è rimasto in sospeso.

Tra baci fuggenti, nostalgie estive, notti insonni e sogni diventati “polvere al vento”, Alan Michael racconta il bisogno di trovare chiarezza e di dare un significato a ciò che è stato. Rimane soprattutto la ricerca di quell’unico momento capace di assumere il peso di “un per sempre”, anche quando tutto sembra ormai appartenere al passato.

Ma “Stanze d’hotel” porta con sé anche una riflessione più ampia. Passiamo molto tempo a cercare ciò che non c’è, immaginando che possa trovarsi chissà dove, in un altro luogo, in un’altra persona, metaforicamente in un’altra stanza d’hotel. Eppure, alla fine, ciò che riesce davvero a rimettere ordine nelle cose è spesso molto più vicino e molto più semplice: un incontro, una parola detta finalmente nel modo giusto, la capacità di ascoltarsi e di riconoscersi.

Alla dimensione intima del testo si contrappone una produzione energica firmata da Simonoize. “Stanze d’hotel” si muove tra italo-pop contemporaneo, suggestioni retrowave e richiami agli anni ’80, trasformando la malinconia in un brano dinamico e immediato.

Synth ampi e sognanti introducono il pezzo, prima dell’ingresso di un basso elettrico dal carattere funk e di una batteria serrata che ne definiscono il movimento. Nel ritornello gli arpeggiatori si intrecciano alle chitarre ritmiche, mentre doppie voci e riverberi ampliano una linea melodica costruita per arrivare in maniera diretta.

È proprio nel contrasto tra testo e musica che “Stanze d’hotel” trova la propria identità: mentre le parole raccontano distanza, ricerca e ricordi difficili da lasciare andare, la produzione risponde con una spinta vitale e un ritmo che porta nella direzione opposta.

Nel finale la ritmica si interrompe e lascia spazio a un momento più intimo, quasi parlato, riportando la canzone alla dimensione confessionale da cui era partita.

“Stanze d’hotel” diventa così il racconto di una ricerca che riguarda tutti: continuiamo ad attraversare stanze, persone e possibilità cercando qualcosa che sembra sempre trovarsi altrove, per scoprire che, molto spesso, sono le cose più semplici quelle di cui avevamo realmente bisogno.

Alan Michael, nato a Torino, sviluppa il proprio percorso artistico fin da giovanissimo, alternando musica, televisione, cinema e teatro. Negli anni prende parte a produzioni cinematografiche, programmi Rai e campagne pubblicitarie internazionali, costruendo un’esperienza trasversale nel mondo dello spettacolo. Autore dei propri testi e delle proprie canzoni, inizia a pubblicare musica a partire dal 2006, periodo in cui partecipa anche al reality “Vite Spiate”. Successivamente ottiene la vittoria al concorso “Voci Nuove” con il singolo “Istruzioni”. Nel 2024 inaugura una nuova fase artistica con l’uscita di “Uragani”, avviando un percorso che lo porta a pubblicare nuova musica con continuità. I risultati ottenuti sulle piattaforme digitali, con oltre 100.000 ascolti su Spotify in pochi mesi e milioni di visualizzazioni legate alle campagne promozionali, consolidano la crescita del progetto.

Dal 2026 collabora con Sorry Mom!, realtà che accompagna lo sviluppo del nuovo capitolo discografico inaugurato dal singolo “Caffè”. “Bilboa” e l’ultimo “Stanze d’hotel” proseguono questo percorso, confermando la volontà di Alan Michael di raccontare emozioni quotidiane attraverso una scrittura diretta e immediata.

Link video: https://www.youtube.com/watch?v=LQhzOiNqBxY&list=RDLQhzOiNqBxY

Galex999 – esce “Sex and Videogames”

 

Con “Sex and Videogames”, Galex999 esplora le contraddizioni delle relazioni sentimentali nell’era digitale, raccontando il tentativo di sfuggire a un amore doloroso attraverso il mondo virtuale. Un brano che unisce sonorità dance elettroniche e contemporary R&B, costruendo un contrasto tra una dimensione musicale coinvolgente e un testo attraversato da inquietudine e dipendenza emotiva.

Ispirato alle atmosfere di artisti come Bruno Mars, The Weeknd e Robin Thicke, il singolo si sviluppa a partire dalle note di un piano elettrico, sulle quali si innestano una ritmica dalle influenze new wave, un basso profondo, chitarre funk e leggere sfumature synth-pop anni Ottanta. Il risultato è un sound dinamico e immediato, che mantiene una componente introspettiva senza rinunciare alla propria vocazione dance. L’utilizzo dell’Auto-Tune, particolarmente evidente nel ritornello e nel bridge, contribuisce a definire l’identità sonora del pezzo attraverso effetti vocali, riverberi e distorsioni.

Dietro un titolo apparentemente provocatorio, “Sex and Videogames” affronta il tema della difficoltà di lasciarsi alle spalle una relazione sentimentale. In un presente dominato da social network, amicizie virtuali e videogiochi, il protagonista cerca rifugio nella dimensione digitale per distrarsi da un legame che continua a farlo soffrire. Ma quello che dovrebbe rappresentare una via di fuga finisce per trasformarsi in un ulteriore terreno di confronto con i propri sentimenti.

Il confine tra realtà e finzione diventa sempre più sottile: il videogioco si sovrappone metaforicamente alle dinamiche della relazione, mentre il ricordo della persona amata assume i contorni di una dipendenza dalla quale è difficile liberarsi. Il continuo ritorno agli stessi pensieri trova la sua espressione più evidente nel bridge, dove la ripetizione ossessiva del verso “I don’t wanna play these videogames” restituisce tutta la frustrazione di chi vorrebbe interrompere un circolo emotivo senza riuscirci.

Con “Sex and Videogames”, Galex999 utilizza il linguaggio della musica dance e dell’R&B contemporaneo per raccontare una forma di solitudine profondamente attuale, in cui le distrazioni offerte dal mondo digitale non riescono a cancellare il peso delle relazioni reali.

Galex999 è un producer musicale che si muove tra sonorità dance, pop e contemporary R&B, traendo ispirazione da artisti come Bruno Mars, The Weeknd e Robin Thicke. Più che un musicista, ama definirsi un “incasinatore di suoni”, un’espressione che riflette il suo approccio creativo e la voglia di sperimentare attraverso generi e influenze differenti.

Galex999 preferisce non svelare troppo di sé, scegliendo di lasciare che sia la musica a raccontare la sua identità artistica. “Sex and Videogames”, realizzato in collaborazione con Sorry Mom!, segna il suo debutto discografico e rappresenta il primo passo di un percorso ancora tutto da scoprire.

ASCOLTA "SEX AND VIDEOGAMES”!

https://linktr.ee/Galex.999