REMEDY – esce “Un Giorno in Più”

 

“Un giorno in più” è il nuovo singolo dei Remedy, un brano che racconta la fine di un amore e quel momento sospeso in cui separarsi non significa necessariamente aver smesso di provare qualcosa.

Al centro della canzone c’è il desiderio di concedersi una seconda possibilità: tornare a incontrarsi, mettere finalmente in parole ciò che è rimasto in sospeso e capire se, dietro la distanza e gli errori, esista ancora qualcosa da recuperare.

I Remedy attraversano così nostalgia e rimpianto senza raccontare semplicemente il dolore di una separazione. “Un giorno in più” guarda soprattutto a ciò che potrebbe accadere dopo, quando il tempo trascorso permette di osservare una storia da una prospettiva diversa e nasce il bisogno di ritrovare quello che, nel frattempo, sembrava essere andato perduto.

Anche musicalmente il brano segue questo percorso emotivo, crescendo progressivamente fino alla parte finale. È qui che il ritornello raggiunge la sua maggiore intensità, trasformando il rimpianto iniziale in una possibilità ancora aperta.

La speranza prende così lentamente il posto della rassegnazione: non la certezza che tutto possa tornare come prima, ma il coraggio di chiedersi se valga la pena provarci ancora.

Perché alcune storie, anche quando sembrano essere arrivate alla fine, possono avere bisogno semplicemente di un giorno in più.

I Remedy nascono nel 2023 dall’incontro tra Carolina, Samuele, Leonardo e Lorenzo. Dopo aver completato la formazione, i quattro musicisti iniziano a costruire un progetto nato da un’idea condivisa e dalla volontà di trovare una propria identità musicale.

La band muove i primi passi dal vivo come cover band, partecipando a contest e cogliendo ogni occasione per suonare e maturare esperienza sul palco. Con il tempo, però, cresce l’esigenza di andare oltre la reinterpretazione di brani altrui e di dare forma a un repertorio originale.

Nascono così le prime composizioni dei Remedy e un sound che attraversa influenze diverse, dall’energia del rock degli anni Ottanta alle atmosfere più introspettive degli anni Novanta e dei primi Duemila. Elementi che la band rielabora in una scrittura personale, costruita sull’incontro tra immediatezza, intensità emotiva e una forte componente melodica.

Con i propri brani, i Remedy proseguono oggi un percorso orientato alla ricerca di un’identità sempre più definita, trasformando influenze ed esperienze condivise in musica originale.

ASCOLTA “UN GIORNO IN PIÚ”!

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BLUE POLO FIRMA “ECO 14”, LA SIGLA ORIGINALE DI “ORE 14” SU RAI 2

 

I Blue Polo firmano “Eco 14”, la sigla originale di “Ore 14”, il programma condotto da Salvo Sottile in onda su Rai 2 dal lunedì al venerdì e, dal 24 settembre, anche in prima serata il giovedì.

Appena 14 secondi per costruire un’identità sonora immediatamente riconoscibile. La composizione nasce intorno al concetto di tempo, elemento centrale non soltanto nel titolo del programma, ma anche nel racconto dell’attualità e nel continuo susseguirsi di fatti, eventi e situazioni.

I Blue Polo traducono questa idea in un breve crescendo nel quale sonorità elettroniche e atmosfere cinematografiche si intrecciano, aumentando progressivamente la tensione. Il risultato è una sequenza essenziale e incisiva, pensata per accompagnare l’ingresso di “Ore 14” e anticiparne in pochi istanti il ritmo e la dimensione narrativa.

Più che un semplice accompagnamento, “Eco 14” è stata concepita come una vera e propria firma sonora: un frammento musicale capace di condensare in pochi secondi l’identità del programma e di diventare parte integrante del suo linguaggio televisivo.

La realizzazione della sigla arriva dopo un’estate significativa per i Blue Polo, che hanno pubblicato il singolo “West Coast”, entrato nella programmazione di Rai Radio 2 e di altre emittenti radiofoniche italiane.

Con “Eco 14” il duo amplia ulteriormente il proprio percorso artistico, esplorando il punto d’incontro tra musica, immagini e linguaggio audiovisivo e portando la propria ricerca elettronica e cinematografica all’interno della programmazione di Rai 2.

Blue Polo è un progetto musicale nato dall’incontro e dalla lunga collaborazione tra due musicisti, polistrumentisti e compositori, uniti da una profonda amicizia e da un percorso artistico condiviso.

La loro musica nasce dalle esperienze vissute e dalle emozioni personali, muovendosi tra sonorità internazionali, elettronica di ispirazione francese e influenze alternative indie.

Il rapporto con il mondo audiovisivo accompagna il duo fin dagli esordi. Dopo una prima esperienza come compositori per la RAI con “JEUNESSE”, concept album strumentale di 22 minuti registrato tra Londra e Milano, i Blue Polo intraprendono una nuova fase del proprio percorso artistico.

Con “Bobcut Ninety5” introducono per la prima volta la componente vocale, facendo incontrare la dimensione strumentale del progetto con una scrittura cantata. Il percorso prosegue con “West Coast”, primo singolo in italiano, entrato nella programmazione di Rai Radio 2 e di altre emittenti italiane.

Nel 2026 tornano a confrontarsi con il linguaggio televisivo firmando “Eco 14”, la sigla originale di “Ore 14”, programma condotto da Salvo Sottile su Rai 2. Un nuovo tassello che conferma la natura trasversale dei Blue Polo e la loro ricerca al confine tra canzone, elettronica, composizione e immagini.

“Purgatory” è il nuovo singolo di The Ashes

 

“Purgatory” è il nuovo singolo dei The Ashes, un brano hard rock rabbioso che nasce da una richiesta elementare: fermare per un istante il rumore e riuscire finalmente a respirare.

“Give me a break!” ritorna come una frase istintiva, quasi una formula da ripetere quando il caos prende il sopravvento e la sensazione di essere intrappolati diventa insostenibile.

Il purgatorio evocato dal brano non è un luogo di condanna, ma una zona di passaggio, quella parte di noi in cui tutto sembra perduto e l’ignoto può ancora rivelare una direzione diversa.

La voce attraversa immagini tormentate senza arrendersi, mentre le chitarre danno forma alla rabbia di chi cerca un varco e continua a combattere anche quando non riesce ancora a intravederlo. L’assolo raggiunge il culmine, il limite della sopportazione, e grida come una richiesta di salvezza che non ha intenzione di restare inascoltata. La sezione ritmica sostiene il brano con una spinta compatta, facendo da contrappeso alla corsa delle chitarre e mantenendo il pezzo in movimento.

Ne nasce una dimensione sonora in cui il dolore non coincide con una fine: ciò che sembra definitivo può diventare il punto da cui cambiare direzione, lasciare andare ciò che eravamo e provare a reinventarsi.

“Purgatory” attraversa così il momento più buio senza fermarsi lì: nessuna oscurità, nessuna fiamma e nessun dolore sono destinati a durare per sempre.

The Ashes sono una rock band italiana nata nel gennaio 2024 nel territorio del Vulture-Melfese dall’incontro tra Andrea Di Palma (Ash), Marco Di Palma (Whiz_kid), Michele Sasso (Mike) e Giada Iannetta (Jade). Fin dagli esordi la formazione sceglie di concentrarsi sulla scrittura di brani originali in lingua inglese, costruendo il proprio sound a partire da influenze che spaziano da Guns N’ Roses e Foo Fighters ai Green Day, fino a contaminazioni provenienti da altri generi musicali.

Nel corso del 2024 la band avvia la scrittura del proprio primo concept album e parallelamente porta la propria musica dal vivo tra locali, manifestazioni ed eventi, sviluppando una dimensione live energica e diretta.

I brani vengono registrati con la collaborazione di Savino Lavalle (Lavalledilacrime), mentre mix e master sono affidati ad Antonio Archetti. Successivamente, grazie alla collaborazione con Pietro Foresti, i The Ashes entrano in contatto con Sorry Mom!, con cui intraprendono il proprio percorso discografico.

Nel 2026 pubblicano i singoli “7 Seconds of Peace”, “Freedom of Na Na Na” e “Purgatory”, anticipazioni dell’album di debutto “Like a Phoenix”.

Il disco nasce come un concept dedicato alla caduta e alla rinascita dell’essere umano, attraversando difficoltà, conquiste, rabbia, amore e trasformazione. Come suggerisce il titolo, al centro del progetto c’è l’idea che ogni caduta possa rappresentare non soltanto una fine, ma anche il punto di partenza per ricominciare.

ASCOLTA “PURGATORY”!

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MARCO BARONI – ecco “Fiamma e Cero”

Lei è una fiamma, lui un cero. È da questa immagine semplice e immediata che nasce “Fiamma e Cero”, il nuovo singolo di Marco Baroni, una storia d’amore raccontata attraverso due elementi destinati a incontrarsi, illuminarsi e, inevitabilmente, consumarsi insieme.

La fiamma ha bisogno del cero per continuare a bruciare, il cero della fiamma per poter fare luce. Due esistenze che acquistano senso nel momento in cui si incontrano, ma il cui legame porta con sé fin dall’inizio anche la consapevolezza della propria fragilità. Amarsi significa illuminarsi a vicenda, anche quando questo comporta consumare una parte di sé.

Con “Fiamma e Cero”, Marco Baroni torna così a utilizzare uno degli elementi ricorrenti della propria scrittura: l’immaginazione come strumento per raccontare sentimenti ed esperienze umane attraverso il punto di vista degli oggetti. Una fiamma e un cero diventano protagonisti di una relazione e permettono di osservare da una prospettiva insolita qualcosa di profondamente quotidiano come l’amore e la necessità reciproca.

Il brano nasce nella sua forma più essenziale, semplicemente da chitarra e voce, per poi svilupparsi in studio mantenendo intatta la dimensione intima della composizione.

Ad arricchire l’arrangiamento sono il contrabbasso di Alessandro Maria Ferrari, storico collaboratore di Baroni, e la fisarmonica di Claudio Ughetti, che contribuiscono a costruire intorno alla canzone una veste sonora raccolta e organica.

“Fiamma e Cero” è così il racconto di due elementi che da soli possono esistere, ma soltanto insieme riescono davvero a fare luce.

Marco Baroni, nato a Sassuolo nel 1983, si avvicina alla musica prima di tutto come appassionato e collezionista di dischi, trasformando successivamente questa passione in un percorso da musicista, cantautore e autore.

Dopo diverse esperienze lavorative, tra cui quella di commesso in un negozio di dischi, pubblica i primi due singoli per MBO di Mario Ragni, distribuiti da Warner Music. Nel 2007 partecipa al 57° Festival di Sanremo, raggiungendo la finale con il brano “L’immagine che ho di te”. Nello stesso anno pubblica l’album “Marco Baroni” per EMI/Virgin, dal quale viene estratto anche il singolo “Marta Piange”, accompagnato da un videoclip girato a San Francisco.

Negli anni porta avanti un’intensa attività dal vivo, con centinaia di concerti. Nel 2015 pubblica “Una Corsa Senza Freni” per DMB Music, anticipato dai singoli “Aria Di Settembre” e “Il primo Natale”, quest’ultimo arrivato al primo posto della classifica radiofonica indipendente italiana.

Nel 2023 esce per Sorry Mom!/Sony il terzo album “Luoghi Comuni”, dal quale vengono estratti i singoli “Cenere”, “Piuma”, “Bravissimo cantautore” e la ballad “Rapporti”. Il disco accompagna una nuova fase dell’attività live dell’artista.

Nel corso della sua carriera Baroni ha inoltre aperto i concerti di Fabrizio Moro, Pier Cortese e Alberto Bertoli e affiancato all’attività di interprete quella di autore. Ha scritto per artisti come Nek, con cui ottiene il disco di platino per “E da qui” e successivamente il Premio Lunezia con “Hey Dio”, Alessio Bernabei, Matteo Camellini, Cixi e Alberto Bertoli.

Con “Qui e ora” Marco Baroni ha inaugurato un nuovo percorso discografico che prosegue nel 2026 con nuovi brani, tra cui “Fiamma e Cero”, confermando una scrittura nella quale esperienze quotidiane, immagini e immaginazione diventano strumenti per raccontare emozioni e relazioni.

ASCOLTA “FIAMMA E CERO”!

Spotify: https://short-url.cc/1Fskt

 

“Milano d’Estate” è il nuovo singolo di Nottetempo

 

“Milano d’Estate” è il nuovo singolo di Nottetempo, un brano indie dalle sonorità fresche che si muove tra la malinconia di una relazione che si interrompe e quella voglia di leggerezza che inevitabilmente accompagna l’estate.

Al centro della canzone c’è una coppia che, con l’arrivo della bella stagione, prende strade diverse. Lui resta a Milano, quasi “prigioniero” di una città che progressivamente si svuota; lei parte invece per le vacanze con le amiche, tra mare, spiagge e giornate che sembrano appartenere a un mondo completamente diverso.

Due estati parallele che diventano il racconto di una distanza non soltanto geografica. Da una parte ci sono le strade sempre più deserte della città e il tempo per ripensare a ciò che è stato; dall’altra quella leggerezza che sembra possibile soltanto lontano da tutto.

Tra malinconia, ironia e un finale sospeso tra rivalsa e rassegnazione, “Milano d’Estate” racconta così una di quelle storie che sembrano destinate a finire proprio quando tutti gli altri iniziano a divertirsi. Il ritornello immediato accompagna questo contrasto trasformando una separazione estiva in un brano che conserva, nonostante tutto, la voglia di ballare e di partire.

Prodotto da Vincenzo Mario Cristi (Vanilla Sky), il singolo fotografa quel momento particolare in cui una relazione finisce ma l’estate è appena cominciata: resta la malinconia, certo, ma anche il desiderio di lasciarsi alle spalle la città e andare finalmente verso il mare.

Nottetempo è il progetto solista in italiano di Rachel O’Neill, già frontman della hard rock band Cream Pie. Nato nell’estate del 2023 dopo anni trascorsi sui palchi della scena hard rock internazionale, il progetto prende forma dall’esigenza di rallentare e trovare uno spazio più intimo e personale per la scrittura.

Per la prima volta Rachel sceglie di esprimersi in italiano, costruendo un universo musicale fatto di melodie essenziali, atmosfere notturne e testi che affrontano fragilità, relazioni e dialoghi interiori. Il DNA rock delle esperienze precedenti rimane parte integrante del progetto, ma si confronta con una dimensione più vulnerabile e introspettiva.

Anche dal vivo Nottetempo mantiene questa doppia anima, alternando set acustici, più raccolti ed essenziali, a una veste elettrica nella quale emerge maggiormente la componente rock.

Ad oggi il progetto ha pubblicato sei singoli e portato la propria musica su diversi palchi, arrivando nel 2026 ad aprire due date de Le Vibrazioni. Parallelamente all’attività live prosegue la scrittura di nuovi brani, con l’obiettivo di trasformare esperienze ed emozioni personali in canzoni nelle quali anche chi ascolta possa riconoscersi.

ASCOLTA “MILANO D’ESTATE”!

https://benext.lnk.to/milanodestate

THE POP FISH BAND – ecco “You And Me”

 

I The Pop Fish Band presentano “You And Me”, nuovo singolo che affronta un tema profondamente umano: l’illusione della distanza che separa le persone e la necessità di riconoscersi nell’altro.

Attraverso una scrittura diretta ed essenziale, il brano parte dalle ferite individuali per mostrare come ciò che viviamo non riguardi mai soltanto noi stessi. Dolore, paura e perdita appartengono a un’esperienza condivisa e finiscono inevitabilmente per riflettersi su chi ci circonda. È proprio in questa consapevolezza che trova senso uno dei passaggi centrali della canzone: “because I’m you and you are me”.

“You And Me” prova così a spogliare i conflitti quotidiani delle loro sovrastrutture, andando alla ricerca di ciò che accomuna le persone al di là delle differenze. Tutti affrontiamo le nostre paure, conosciamo il dolore di una perdita e siamo chiamati a rischiare, anche quando le regole del gioco sembrano remare contro.

Ne emerge un invito alla compassione e alla capacità di guardare l’altro non come qualcosa di distante, ma come parte della stessa esperienza umana. Un messaggio che assume un significato ancora più forte in un presente segnato dall’isolamento e dalla difficoltà di costruire relazioni autentiche.

Il singolo rappresenta inoltre un primo punto d’accesso a “Out”, il prossimo album dei The Pop Fish Band: undici brani attraverso i quali la formazione continuerà a esplorare la necessità di abbattere le distanze e ricostruire quei ponti che, nonostante tutto, continuano a tenerci uniti.

Nata nel 2023, The Pop Fish Band costruisce il proprio immaginario attorno alla figura di “Pop Fish”, un’entità mitica che guida l’universo lirico e sonoro del progetto. Capitanata dal frontman Dax, la band combina l’immediatezza e l’energia del rock con una scrittura caratterizzata da ironia e satira sociale.

Nel 2024 pubblica l’album di debutto “Believe Again”, a cui segue nel 2026 l’EP “POP”, lavoro che consolida l’identità della formazione e una proposta musicale costruita su sonorità incisive, groove marcati e uno sguardo critico nei confronti del conformismo e delle contraddizioni della società contemporanea.

Il percorso dei The Pop Fish Band prosegue ora verso “Out”, nuovo album in studio composto da 11 brani inediti. Ad anticipare il progetto è il singolo “You And Me”, brano che apre una nuova fase per la band e introduce alcuni dei temi che attraverseranno il disco, a partire dalla necessità di superare le distanze e riscoprire ciò che unisce le persone.

ASCOLTA “YOU AND ME”!

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Il nuovo singolo di The Austen si intitola “All I Need”

 

Il nuovo singolo dei The Austen si intitola “All I Need”, un brano che parte dall’immagine di una guerra osservata da lontano, quasi con distacco, per trascinare progressivamente chi ascolta nel cuore del conflitto.

Quella che inizialmente sembra una realtà distante diventa improvvisamente vicina e concreta. I leader mondiali lanciano minacce, mentre la gente comune cerca un riparo; i palazzi crollano e i bambini arrivano a mangiare sassi pur di provare a placare la fame. Uno scenario sempre più cupo, nel quale emerge il lato più oscuro dell’essere umano e la sua continua ricerca di qualcosa che non possiede: qualcosa in più, qualcosa che appartiene a qualcun altro.

“All I Need” trasforma così la guerra in un incubo sotto un cielo nero come la pece, portando il protagonista sempre più a fondo in una realtà apparentemente senza via d’uscita.

Poi, proprio quando tutto sembra arrivare alla fine, il risveglio.

La guerra era un sogno. Accanto a lui la persona che ama dorme tranquilla, mentre fuori regna il silenzio della notte. Il mondo è tornato quello di prima, ma qualcosa dentro di lui è cambiato.

Il contrasto tra l’orrore appena vissuto e la semplicità di quel momento diventa il cuore del brano: “All I Need” riflette sul desiderio incessante di avere sempre di più e sulla capacità di riconoscere il valore di ciò che abbiamo soltanto quando rischiamo di perderlo.

Un risveglio che non cancella l’incubo, ma lascia una nuova consapevolezza: a volte ciò di cui abbiamo realmente bisogno è già accanto a noi.

The Austen è un progetto alternative rock varesino nato a Londra nel 2017. Il sound della band si muove tra influenze e atmosfere differenti: voci distorte, batterie incisive e chitarre in primo piano si alternano a sintetizzatori più delicati e passaggi dalle atmosfere sognanti.

Il nome del progetto è un omaggio alla scrittrice britannica Jane Austen, alla sua ironia e alla capacità di raccontare con uno sguardo lucido e anticonvenzionale la società e la condizione femminile del suo tempo.

La formazione stabile è composta da Ethan Khan (voce, armonica), Marco Baragetti (chitarra acustica), Luigi Cappello (chitarra semi-acustica, chitarra elettrica, seconde voci) e Andrea May Addabbo (chitarra elettrica). Attualmente la band collabora inoltre con Edoardo Ferrario al basso e Mattia Mazzola alla batteria.

La direzione artistica del progetto è affidata a Wonderskhan.

I The Austen propongono esclusivamente brani originali in lingua inglese, costruendo un’identità sonora in cui l’impatto dell’alternative rock convive con una componente più evocativa e atmosferica.

ASCOLTA “ALL I NEED”!

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Love Ghost - pubblicano "Into the Woods / Something in the Water", singoli tratti dall'album "Thirteen"

 

“Thirteen” è probabilmente il disco più intimo e vulnerabile che abbia mai realizzato. Tredici è l'età che avevo quando fui espulso da scuola, l'età in cui iniziai a sentirmi fuori posto. Credo che gran parte di questo album nasca proprio da quella sensazione di osservare il mondo dall'esterno, senza farne parte, ci dice Finnegan Bell, frontman dei Love Ghost.

È un disco grunge acustico, dalle sonorità tipiche del Midwest, disco che parla di isolamento, identità e del tentativo di trovare qualcosa di bello anche negli aspetti più cupi della vita. "Sembra una raccolta di ricordi che forse avrei dovuto seppellire”, ci dice ancora Finnegan Bell. Tredici brani in uscita venerdì tredici. “Into The Woods” e “Something in the Water” sono due dei singoli dell'album “Thirteen”.

“Into The Woods” è una metafora della perdita dell'innocenza e della consapevolezza che il mondo non è semplice come si credeva un tempo. Racconta quel momento in cui si oltrepassa un confine e non si può più tornare indietro e all'improvviso l'infanzia appare come qualcosa accaduto a qualcun altro. Prodotto da Mike Summers.

“Something in the Water” è uno dei brani più carichi di emotività dell’album. Affronta il peso dei traumi generazionali in una cittadina intrappolata in un ciclo di dolore ereditato. Esplora un'America dimenticata e il modo in cui dipendenze, depressione, abusi e altre ferite si trasmettono all'interno delle comunità, perpetuando i peccati delle generazioni precedenti. La canzone rappresenta il mio tentativo di fare i conti con quell'oscurità e con le persone che si ritrovano a doverla portare con sé. Prodotto da Mike Summers.

Link per il video di “Into the Woods”: https://www.youtube.com/watch?v=UpEzZSOWGgU

Link streaming: https://open.spotify.com/intl-it/album/7mM6vj3gxyh171vHci95S3

Biografia:

I Love Ghost sono una band alternative rock che fonde hard rock, metal, pop-punk, sonorità acustiche, rap e goth in uno stile unico e personale. I loro brani possiedono un'anima poetica ed emo, affrontando spesso di petto temi come i traumi e le sfide legate alla salute mentale. Selezionati per il Rockpalast (trasmesso in tutta la Germania), si sono esibiti dal vivo in quattro continenti. Hanno suonato al Warped Tour di Los Angeles insieme ai Wiplash nel 2025.

In Messico hanno collaborato con artisti quali Wiplash, Adan Cruz, Ritorukai, Blnko e altri. A livello internazionale, hanno collaborato con The Skinner Brothers (Regno Unito), Rico Nasty e hanno realizzato un intero album con SKOLD.

Hanno ottenuto riconoscimenti da testate quali Rolling Stone Magazine (in oltre dieci occasioni), Sonic Seducer, Playboy, Time-Out Mexico, Clash Magazine, Alternative Press e molte altre. In Messico hanno vinto il Monster Award 2026 come miglior gruppo rock.

Hanno recentemente concluso il loro tour da headliner "Anarchy and Ashes", esibendosi in Austria, Polonia, Svizzera, Germania e Regno Unito. Effettuano inoltre frequenti tournée in tutto il Messico.

Rougenoire pubblica il nuovo singolo “Reach Out”

 

Le Rougenoire pubblicano il nuovo singolo “Reach Out”, un brano alternative rock che entra nel territorio oscuro dei pensieri ossessivi, dell’isolamento e di quella sensazione di essere intrappolati dentro la propria testa.

Il pezzo prende forma da un dialogo interiore che procede per domande, dubbi e tentativi di fare ordine, mentre chitarre e voce costruiscono un’atmosfera viscerale, attraversata da un’inquietudine sempre presente.

“How far will we go / When we’re lost inside our head” mette a fuoco il punto di partenza del brano, il momento in cui il pensiero smette di essere uno strumento e diventa una stanza senza uscita. A questo si aggiungono condizionamenti, convinzioni e rumori quotidiani che finiscono per confondere ciò che conta davvero. Lo special rappato porta questa dimensione all’estremo, con un flusso serrato di parole che restituisce la mente quando corre senza trovare una direzione.

Poi arriva la frattura. Il ritornello insiste su poche parole, quasi fossero un appiglio: “Breathe in / Breathe out / You better reach out”. Respirare, fare un passo indietro, togliere il rumore di fondo e cercare un contatto diventano gesti concreti attraverso cui interrompere il circuito dei propri pensieri.

“Reach Out” apre uno spazio per fermarsi e guardare ciò che accade da un’altra prospettiva, senza offrire risposte definitive. “Look up / What really matters” riporta lo sguardo fuori dal labirinto interiore, verso una possibilità di confronto e di ascolto. Un brano che parla soprattutto a chi, almeno una volta, ha avuto bisogno di una mano e ha dovuto trovare il modo di chiederla.

Le ROUGENOIRE sono una band alternative/hard rock nata a Milano nel 2005.Cinque personalità diverse danno vita a un sound diretto e senza filtri, con l’intenzione di mettere in musica esperienze e tensioni quotidiane.

All’attivo hanno due album: “The Show”, “MILF” e un EP di prossima uscita prodotto da Michele Luppi.

ASCOLTA “REACH OUT”!

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I Flashback of Anger tornano con “Streaming Madness”

 

I Flashback of Anger tornano con “Streaming Madness”, terzo singolo pubblicato dalla band nel 2026 e nuovo capitolo della loro produzione power metal. Chitarre virtuosistiche, ritornelli immediati e una scrittura melodica sostenuta da ritmi serrati danno forma a un brano che guarda alla tradizione del genere senza rinunciare a un suono contemporaneo.

Il bersaglio, questa volta, è l’industria musicale dell’era dello streaming: un sistema dove dischi, canzoni e artisti vengono consumati alla velocità di uno swipe, mentre l’ascolto perde progressivamente profondità. “We used to lose ourselves in every note / Now it’s swipes and clicks” fotografa il passaggio da un rapporto immersivo con la musica a una fruizione rapida, governata dagli algoritmi e da soglie d’attenzione sempre più brevi.

La band mette nel mirino anche le logiche commerciali che hanno progressivamente piegato l’arte alle dinamiche dell’intrattenimento digitale.“The industry’s broken, it’s a corporate crime” porta questa critica al centro del brano, senza lasciare fuori la dimensione personale di chi continua a cercare nella musica qualcosa che vada oltre il consumo immediato.

Da qui nasce la parte più combattiva di “Streaming Madness”: la musica torna a essere terreno di scontro e la voce della band si unisce a quella di chi non vuole accettare il meccanismo. “Music’s a war, but we hold the key” riassume questa presa di posizione: il rumore dello streaming può essere assordante, ma la passione resta nelle mani di chi ascolta, suona e sceglie di non lasciarla andare.

I Flashback of Anger nascono nel giugno 2003 come progetto power metal dalle forti influenze melodiche e neoclassiche.

Dopo i primi riscontri nella scena underground, la band ottiene un’importante opportunità registrando l’album d’esordio “Splinters of Life” presso gli High Gain Studios, sotto la direzione artistica di Dirk Schlächter dei Gamma Ray. Nello stesso periodo Alessio Gori entra a far parte della line-up live dei Gamma Ray come tastierista ufficiale durante l’Hellish Rock Tour 2007/2008 insieme agli Helloween.

Pubblicato nel 2009 dall’etichetta Limb Music, “Splinters of Life” segna l’inizio del percorso discografico della band. Dopo un periodo di pausa dovuto alla scomparsa del bassista Francesco Masini, nel 2012 entra in formazione Andrea Torricini dei Vision Divine, contribuendo alla realizzazione del secondo album “T.S.R. (Terminate And Stay Resident)”, pubblicato nel 2014 dalla tedesca IceWarrior Records. Nel brano “Black Prince” compare come ospite speciale Fabio Lione, noto per il suo lavoro con Vision Divine, Rhapsody of Fire e Angra.

Nel 2018 i Flashback of Anger pubblicano il terzo album “Shades”, ancora per IceWarrior Records, con una formazione composta da Alessio Gori alla voce e alle tastiere, Gianmarco Lotti alla chitarra, Marco Moroni al basso e Lorenzo Innocenti alla batteria.

Il quarto lavoro in studio, “Prisoner of War”, esce il 26 settembre 2024 in completa autoproduzione, sia in formato fisico che digitale. Si tratta di un concept album dedicato al tema della guerra, ispirato dagli eventi che segnano il presente.

Nel 2025 Matteo Bonini rientra nella formazione come seconda chitarra, contribuendo a rafforzare ulteriormente il sound della band. Nel marzo 2026 i Flashback of Anger pubblicano il singolo “Shining Life“ e a giugno “Meaningless Words”, nuovi capitoli di un percorso che continua a svilupparsi mantenendo salde le proprie radici nel power metal europeo.

ASCOLTA “STREAMING MADNESS”!

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Il nuovo brano di EMAN si intitola “SCRUSCIU”

 

Il nuovo brano di EMAN si intitola “SCRUSCIU”, un reggae scanzonato cantato in siciliano che racconta un corteggiamento sospeso tra tradizione, ironia e sentimento.

Protagonista della storia è un uomo dal passato in ombra che cerca di conquistare una donna integerrima, apparentemente lontana dal suo mondo. Per riuscirci sceglie un gesto antico e allo stesso tempo rivoluzionario nella sua semplicità: presentarsi sotto la sua finestra e cantarle la loro storia, affidando alla musica quello che forse le parole da sole non riuscirebbero a dire.

Il titolo racchiude il cuore del brano. “Scrusciu” in siciliano significa “rumore” e diventa così il filo conduttore di una domanda: quella musica resterà soltanto un rumore di fondo oppure riuscirà a trasformarsi in uno “scrusciu” d’amore capace di smuovere il cuore della donna?

Anche musicalmente la parola assume un ruolo centrale. Nelle strofe “scrusciu” diventa un vero e proprio hook vocale: la sua ripetizione, sostenuta da una melodia circolare, crea un mantra immediato e riconoscibile. A sorreggerlo c’è una batteria one-drop asciutta ed essenziale, con un rullante netto che richiama quasi il colpo di un tamburo durante una festa di paese.

Nell’inciso il brano cambia passo: la cassa si apre in quattro, il ritmo accelera e il one-drop lascia spazio allo steppers, facendo esplodere il pezzo e portandolo verso una dimensione ancora più diretta e trascinante.

Con “SCRUSCIU”, EMAN costruisce così un brano immediato e accessibile senza rinunciare a una precisa identità: il reggae incontra la lingua siciliana, la tradizione della serenata dialoga con una produzione contemporanea e una semplice parola diventa ritmo, immagine e dichiarazione d’amore.

Emanuele Pavano, in arte EMAN, è un cantautore siciliano. Inizia a scrivere canzoni all’età di 18 anni, parallelamente allo studio della chitarra, per poi ampliare il proprio percorso musicale avvicinandosi anche alla batteria e alle percussioni.

Da sempre interessato alla contaminazione tra linguaggi e sonorità differenti, nel corso degli anni EMAN ha esplorato diversi generi, sviluppando un approccio alla scrittura libero da etichette e confini prestabiliti.

Alla base della sua visione artistica c’è infatti l’idea che la musica non debba necessariamente essere suddivisa in categorie: ciò che conta è soprattutto l’autenticità dell’espressione e la capacità di un brano di restituire qualcosa di vero.

ASCOLTA “SCRUSCIU”!

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ALBERTO BALDO – ecco “Metà per Me”

 

Dopo “Mojito alle Hawaii”, il cantautore presenta un nuovo singolo dedicato a chi continua a dare agli altri senza chiedere nulla in cambio.

Dopo il ritorno con “Mojito alle Hawaii”, Alberto Baldo presenta “Metà per me”, il nuovo singolo che racconta la natura di chi non riesce a fare a meno di donarsi agli altri, anche senza avere garanzie su ciò che riceverà in cambio.

Una ballata intima che sceglie di parlare al plurale, attraverso un “noi” in cui possono riconoscersi tutte quelle persone che, pur avendo poco, continuano a trovare qualcosa da offrire. Tempo, attenzione, energie, sentimenti: una forma di generosità tenace che non nasce dall’aspettativa di essere ricambiati, ma da un modo profondamente istintivo di stare al mondo.

Al centro del brano c’è però anche la necessità di non dimenticare se stessi. Dare, sì, ma imparando a conservare sempre “metà per sé” nel serbatoio: uno spazio da proteggere per non esaurirsi e, allo stesso tempo, non rinunciare alla propria natura.

“Metà per me” racconta così un equilibrio delicato tra apertura verso gli altri e cura di sé, affidandosi a un’immagine semplice ma evocativa: continuare ad annaffiare un terreno apparentemente arido e piantare un seme, anche senza sapere se un giorno lo si vedrà crescere.

Un gesto che diventa metafora della fiducia e della capacità di continuare a dare valore alle cose, anche quando non esiste alcuna certezza sul loro futuro.

Alberto Baldo è un cantautore pop della provincia di Padova, che affonda le radici nella tradizione italiana, ma con uno sguardo contemporaneo e personale. La sua musica nasce dall’incontro tra introspezione, fragilità e attenzione sociale: un equilibrio che elabora esperienze quotidiane, contraddizioni e le trasformazioni del tempo in canzoni capaci di parlare in modo diretto. La sua scrittura, ricca di immagini e simboli, richiama suggestioni poetiche e letterarie, trasformando emozioni e osservazioni in testi che uniscono immediatezza e profondità.

I suoi brani affrontano temi come la fragilità umana, le disparità sociali, il tradimento delle aspettative e le sfide che il tempo impone. Ha pubblicato sette singoli, prodotti con la collaborazione dell’arrangiatore Franco Poggiali Berlinghieri e di altri musicisti, ottenendo riconoscimenti in contest internazionali. Porta in musica un bagaglio di vita e di esperienze che diventano occasione di riflessione e visione sincera, spontanea e profondamente emotiva, con l’obiettivo di lasciare una traccia in chi ascolta.

ASCOLTA “METÁ PER ME”!

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“Vera”, il nuovo singolo di AnnoZzero

Un momento perfetto, vissuto insieme e rimasto impresso nella memoria.

“Vera”, il nuovo singolo delle AnnoZzero, nasce da quella sensazione difficile da trattenere: il desiderio di tornare, anche solo per pochi minuti, a un istante capace di mescolare felicità e nostalgia.

Il brano si muove tra dance-pop e suggestioni synth-pop che richiamano gli anni ’80 e ’90, costruendo un sound energico e immediato. Il ritmo four-on-the-floor e gli elementi funky danno vita a un groove trascinante, pensato per far ballare ma attraversato da una componente emotiva che va oltre la semplice dimensione della festa.

È proprio nel contrasto tra energia e malinconia che “Vera” trova la propria identità. La voglia di lasciarsi andare si intreccia al ricordo di qualcosa vissuto insieme, mentre la leggerezza della musica porta con sé quella sottile nostalgia che accompagna i momenti felici quando diventano parte del passato.

Le AnnoZzero trasformano così il ricordo in qualcosa di nuovamente presente: tre minuti in cui lasciarsi trascinare dal ritmo e, allo stesso tempo, tornare con la mente a un luogo, una persona o un momento che non abbiamo dimenticato.

“Vera” è un brano fatto per ballare, ma anche per lasciarsi andare al ricordo.

AnnoZzero è il duo formato da Maria Grazia “Bozz” Bozzini ed Elena Borile, unite nella vita e nella musica dal 2002. Nello stesso anno esordiscono con il nome Double-B, pubblicando il primo singolo “Volerò”.

Nel 2005 l’incontro con Gianmario De Maria segna l’inizio di una nuova fase del loro percorso: il duo cambia nome in AnnoZzero, mantenendo la doppia “z” come richiamo al nickname di Maria Grazia, Bozz, e dà vita a un nuovo progetto musicale. Con il brano “Un Sogno Per Domani” arrivano le prime attività promozionali e le ospitate televisive.

Negli anni successivi le AnnoZzero intensificano l’attività live e nel 2009 presentano inoltre a Milano il loro CD e il relativo videoclip.

Dopo alcuni anni di pausa, nel 2022 il duo torna a lavorare a nuova musica.

Con il produttore Giancarlo Boselli, con il quale prende forma un nuovo progetto discografico articolato in tre EP.

Nel settembre 2023 pubblicano il singolo “Chiara”, seguito a dicembre dall’EP “ORA”, che inaugura ufficialmente questa nuova fase artistica. Il percorso prosegue con il secondo EP “SONO” e con la realizzazione in lingua catalana del singolo “Inconscio”, attraverso il quale il duo apre il proprio progetto anche al pubblico spagnolo.

Parallelamente nasce “ORA SONO VERA”, docufilm diretto da Marco Sgorbati che intreccia la storia privata e musicale delle AnnoZzero affrontando i temi dell’omofobia e del bullismo. Pensato anche per essere presentato nelle scuole, il progetto racconta attraverso la musica la quotidianità di Elena e Bozz come coppia, mogli e mamme.

I titoli dei tre EP compongono proprio la frase ORA SONO VERA, creando un filo conduttore tra il percorso discografico e quello cinematografico.

ASCOLTA “VERA”!

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“Alla Sera, Nascono le Idee” è il nuovo singolo degli Edamame

 

“Alla Sera, Nascono le Idee” è il nuovo singolo degli Edamame e il primo passo verso “Crediamo alle mucche volanti”, EP di quattro tracce con cui la formazione inaugura una nuova fase del proprio percorso artistico.

Breve e incisivo, il brano è stato pensato come una vera e propria porta d’ingresso nel nuovo progetto: pochi minuti che anticipano l’atmosfera e il carattere delle tracce successive, introducendo immediatamente l’ascoltatore nel nuovo universo sonoro della band.

Con “Crediamo alle mucche volanti” gli Edamame scelgono infatti di rimettere in discussione parte dell’identità musicale costruita negli anni, muovendosi verso una scrittura e un sound più maturi e consapevoli. Le nuove sonorità riprendono il percorso già anticipato dal precedente singolo “Disse Ken”, anch’esso incluso nell’EP, ma lo sviluppano ulteriormente, segnando una distanza più netta rispetto alle produzioni del passato.

“Alla Sera, Nascono le Idee” assume così un ruolo preciso all’interno del progetto: non soltanto quello di presentare il nuovo lavoro, ma di definirne fin dall’inizio il temperamento. Una traccia essenziale e immediata che funziona come trampolino di lancio verso ciò che verrà dopo.

Gli Edamame nascono come duo, si trasformano in trio e, nel giro di pochi anni, tornano alla loro essenza originaria a due elementi.

La formazione attuale è composta da Matteo Verga, alla batteria e ai synth, e Andrea Manca, alle voci, chitarre e tastiere.

La forte complicità tra i due musicisti si traduce in un sound che fonde un alternative rock energico con atmosfere dream pop, attraversate da venature stoner che emergono tra le trame sonore.

ASCOLTA “ALLA SERA, NASCONO LE IDEE”!

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“Ci Spero Sempre” è il nuovo brano di Marco Catch

 

“Ci Spero Sempre” è il nuovo brano di Marco Catch, una riflessione cantautorale sulle aspirazioni che si scontrano con la realtà, sulle delusioni e sulle contraddizioni della società contemporanea. Con ironia e disincanto, l’artista racconta quella distanza che spesso separa ciò che vorremmo essere – e il mondo che vorremmo costruire – da quello con cui ci troviamo a fare i conti ogni giorno.

Al centro della narrazione rimane però un desiderio ostinato: quello di riuscire, nonostante tutto, a fare la differenza. Uno slancio che sopravvive alle aspettative infrante e alla consapevolezza dei propri limiti, raccontato attraverso una scrittura che alterna lucidità, sarcasmo e una leggerezza volutamente amara.

A creare un interessante contrasto con il contenuto del testo è la veste musicale di “Ci Spero Sempre”, energica e luminosa. Il ritmo incalzante dell’ukulele guida un arrangiamento acustico sostenuto da un basso avvolgente e da percussioni dinamiche, dando vita a un sound dalle sfumature folk-pop.

La leggerezza della musica diventa così il contrappunto a una riflessione tutt’altro che superficiale: uno sguardo disilluso sul presente che, dietro l’ironia, conserva ancora la volontà di credere nella possibilità di cambiare qualcosa.

Marco Catch è un cantante e compositore attivo sulla scena musicale dai primi anni Duemila. Dal 2010 al 2015 è la voce della rock band Borderline, con cui si aggiudica diversi contest del circuito underground, tra cui Rock Targato Italia, Band of the Year e Zombie Rock, arrivando a esibirsi su palchi come l’Alcatraz di Milano e il Forum di Assago.

Nel 2023 intraprende il proprio percorso solista, orientandosi verso un cantautorato sperimentale nel quale confluiscono la sua esperienza rock e una ricerca musicale più personale. Dal 2024 è inoltre la voce degli Oslavia, formazione alternative rock con cui pubblica nuova musica e porta avanti un’intensa attività live.

ASCOLTA “CI SPERO SEMPRE”!

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SKW – esce “Live at Whisky A Go Go”

 

L’album “Live At Whisky A Go Go” nasce da uno dei momenti più significativi della storia recente degli SKW: il tour americano del 2026 e, in particolare, la notte del 13 febbraio sul palco del leggendario Whisky a Go Go di Los Angeles.Sette brani restituiscono la sequenza di quella serata, dall’intro di “Mindset”, che apre il concerto con una progressiva costruzione d’attesa, fino a “Humans”, scelto per chiudere il set con un ritornello affidato alle voci del pubblico. Nel mezzo trovano spazio il ritmo pulsante di “Amnesia”, il contrasto fra la durezza dei riff e le aperture melodiche di “Light”, la spinta compatta di “Inside Out”, il carattere più istintivo di “Face To Face, Heart To Heart” e la scrittura sincopata di “Infinite Game”, con i suoi cambi di passo e i ritornelli più aperti.

Un repertorio che, nella dimensione live, mette in primo piano lo scambio con il pubblico e le diverse sfumature della scrittura degli SKW.

Dopo anni di carriera, dischi, palchi e chilometri condivisi, la band ha scelto di fissare quella serata in un live album registrato in uno dei luoghi simbolo della storia rock mondiale. Quattro musicisti, un viaggio dall’altra parte dell’oceano, una crew diventata famiglia e un concerto vissuto fino all’ultima nota compongono il contesto da cui prende forma “Live At Whisky A Go Go”.

L’audio, registrato professionalmente, è stato prodotto e mixato da Frank Andiver, che ha curato anche il mastering. La registrazione conserva il carattere della performance senza rinunciare alla definizione del suono, lasciando emergere riff, ritmiche, aperture melodiche e voci del pubblico.

TRACKLIST

MINDSET

Il brano apre il live con un’intro che costruisce gradualmente l’attesa prima dell’ingresso della band. I primi secondi fissano subito il carattere del concerto e introducono il pubblico nel suono degli SKW.

AMNESIA

Un ritmo pulsante accompagna uno dei primi momenti in cui il pubblico entra pienamente nel concerto. È qui che sotto il palco iniziano a comparire i primi headbang e la sala prende il passo della band.

LIGHT

“Light” riunisce due elementi distintivi della scrittura degli SKW: la durezza dei riff e le aperture melodiche. Nel live il breakdown porta il brano verso la sua parte più fisica, diventando uno dei passaggi più marcati della scaletta.

INSIDE OUT

“Inside Out” spinge il set in avanti con una costruzione compatta e immediata. Il brano mantiene serrato il ritmo della serata e lascia poco spazio alla pausa, con una struttura pensata per il palco.

FACE TO FACE, HEART TO HEART

Qui il concerto assume una dimensione più istintiva e festosa, con un’attitudine che richiama la parte più libera e fisica della cultura metal. Il pubblico può lasciarsi andare al ritmo, muoversi e condividere il brano senza filtri.

INFINITE GAME

“Infinite Game” concentra alcuni dei tratti più riconoscibili degli SKW: tempi sincopati, una scrittura moderna e ritornelli più aperti. Il passaggio fra sezioni serrate e aperture melodiche mette in evidenza la varietà del linguaggio della band.

HUMANS

“Humans” chiude il concerto quando pubblico e band hanno ormai percorso insieme tutta la scaletta. Il ritornello diventa una parte corale della performance e accompagna le ultime battute della serata, lasciando alle voci della sala il compito di chiudere il live.

Gli SKW nascono a Milano nel 1989 con il nome Skywalker. La formazione attuale, stabile dal 1996, è composta da Marco Laratro (voce), Simone Anaclerio (chitarra), Mirko Voltan (basso) e Giancarlo Piras (batteria).

Dopo i primi demo e una crescente attività live, nel 1998 la band cambia nome in SKW e pubblica “Techno-Logical”, album che apre alla dimensione internazionale e porta a un contratto con Adrenaline Records e a una distribuzione mondiale.

Negli anni successivi pubblicano “Connection” (2000), “Alter Ego” (2005), “Signs” (2014) e numerosi tour in Italia e all’estero, compresi Russia e Ucraina. Nel percorso la band condivide il palco con artisti come Soulfly, Amorphis e The Haunted.

Nel 2022 gli SKW tornano con “Mindset”, seguito nel 2023 da “Inside Out” con Alteria, “Humans”, dalla cover “Face to Face, Heart to Heart” e da “Infinite Game”, il cui videoclip viene presentato in anteprima su Sky TG24.

Il 19 gennaio 2024 esce “Humans” per Sorry Mom!/Be Next Music, distribuito da Universal. Dall’album arrivano anche “Voice of Fear” e “Reversal”, accompagnato da un videoclip horror realizzato con VIVAFX.

Nel 2025 gli SKW aprono a Milano il concerto dei Fear Factory per il tour dedicato ai trent’anni di Demanufacture.

Nel febbraio 2026 la band porta la propria musica negli Stati Uniti con quattro date tra California e Nevada. Nel deserto del Joshua Tree realizza con il regista Marco Bazzi il videoclip di “Augmented Humanity”, pubblicato come singolo nel maggio 2026.

A settembre 2026 arriva “Live at Whisky a Go Go”, primo album live ufficiale degli SKW, registrato nel celebre locale di Los Angeles. Il documentario video dedicato alla performance è previsto per ottobre 2026.

ASCOLTA “LIVE AT WHISKY A GOGO”!

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“vero hustler” è il nuovo EP di rosewood

“vero hustler” è il nuovo EP di rosewood, un progetto composto da cinque brani da un minuto, nati per vivere attraverso il linguaggio rapido e immediato dei social media e successivamente riuniti in un unico lavoro sulle piattaforme digitali e dal punto di vista audiovisivo.

Nasce così un vero e proprio concept EP, articolato in cinque episodi musicalmente differenti ma legati dalla stessa visione. rosewood attraversa sonorità che spaziano dall’old school hip hop contaminato dal rock al lo-fi, dalla hard techno al trap metal, fino al pop punk, utilizzando generi e linguaggi diversi per offrire altrettante prospettive sullo stesso presente.

A tenere insieme il progetto è una medesima identità: quella di chi cerca di rimanere genuino all’interno di una realtà precaria, caotica e spesso costruita sull’apparenza.

È proprio in questa prospettiva che va letto il titolo “vero hustler”, che ribalta volutamente l’immaginario tradizionalmente associato alla figura dell’hustler. Non è chi ostenta successo, denaro o uno status, ma chi continua a portare avanti il proprio percorso, confrontandosi anche con le fragilità e gli ostacoli della quotidianità.

Ad accompagnare l’EP c’è inoltre un video concept composto dai cinque videoclip dei brani, pensati come parti di un unico racconto audiovisivo. Le cinque dimensioni visive si intrecciano con quelle musicali, ampliando e valorizzando il significato complessivo di “vero hustler” e rafforzandone la natura di progetto unitario.

TRACKLIST

1996

Su una base old school hip hop attraversata da forti influenze rock e dnb, “1996” è un manifesto e autoritratto di rosewood. Cultura pop, musica, precarietà e critica sociale convivono in un flusso di riferimenti che osserva le contraddizioni del presente senza aderire alla polarizzazione che lo caratterizza. In mezzo alla disillusione rimane però una dichiarazione precisa: continuare a immaginare che qualcosa possa cambiare.

sfighe

Tra chillout, lo-fi e indie, “sfighe” trasforma una collezione di piccoli disastri quotidiani in un racconto ironico dell’ansia e della precarietà emotiva. La vita diventa una giostra assurda sulla quale, nonostante tutto, si continua a salire.

up!

Cassa dritta, hard techno ed energia da mosh pit: “up!” è il momento più fisico e liberatorio dell’EP. Tra riferimenti autobiografici, cultura nerd, musica, lavoro e vita quotidiana, rosewood racconta se stesso senza costruire un personaggio, rivendicando la propria indipendenza e il legame con la “città dell’acciaio”. È un invito a spegnere per un minuto la testa, alzare le mani e lasciarsi trascinare dal movimento.

hustler

“hustler” porta il progetto nel territorio della trap metal e rappresenta il nucleo concettuale dell’EP. Al centro c’è il rifiuto dell’apparenza e di una scena musicale percepita come sempre più artificiale, popolata da personaggi costruiti e racconti di successo spesso lontani dalla realtà. Il “vero hustler” diventa così chi, soffocato dai propri drammi e dalle proprie difficoltà, continua comunque a spingere senza fingere di essere qualcun altro.

ricordi?

Con “ricordi?” l’EP si chiude spostandosi su coordinate pop punk e su un terreno decisamente più intimo. I ricordi di una persona vengono lasciati metaforicamente “sul fondo del caffè”, mentre mancanza, impazienza e incapacità di ammettere fino in fondo ciò che si prova si intrecciano in poche immagini dirette. È il lato più vulnerabile di *vero hustler*: quello in cui, dopo aver osservato il mondo esterno, lo sguardo torna inevitabilmente su se stessi. rosewood è musica per chi non sa se sentirsi fuori posto o pensare che sia il mondo ad esserlo.

Classe 1996, mescola chitarre, beat, elettronica e parole dritte in faccia, raccontando il disagio di una generazione cresciuta tra precarietà, ansia, rabbia sociale e bisogno di restare umana, usando i generi come possibilità e non come confini.

Dal vivo rosewood diventa un trio con due chitarre, batteria e sequenze: essenziale e rumoroso.

Negli anni ha suonato e partecipato a realtà come Musicultura, _resetfestival, Musica da Bere, Musica Contro le Mafie, Controradio Rock Contest e Futures Italian Scouting, condividendo il palco con nomi come Baustelle, Tony Pitony, Marco Castello, Willie Peyote, Mobrici, Nitro, Bassi Maestro, Nerone, Giuse The Lizia, Dub FX, Melancholia e Klaus Noir.

ASCOLTA “VERO HUSTLER”!

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ONLYFUZZ – ecco “Speak to the Manager”

Tra richieste di assistenza, procedure e burocrazia, il brano racconta con ironia come anche le cose più semplici possano diventare incredibilmente complicate

“Speak to the Manager” è il nuovo singolo degli OnlyFuzz, un brano che prende spunto da una situazione tanto comune quanto potenzialmente surreale: una normale giornata all’interno di un Service Desk.

Chiunque abbia avuto bisogno di assistenza informatica si sarà trovato almeno una volta a parlare con un operatore, cercando di capire il perché di determinate risposte, procedure apparentemente interminabili o passaggi che sembrano rendere ancora più complesso un problema nato come semplicissimo.

È proprio da questa esperienza che nasce “Speak to the Manager”, ispirato alla caotica quotidianità di un dipartimento IT e alle dinamiche che possono svilupparsi tra richieste di assistenza, protocolli ed esigenze degli utenti.

Con uno sguardo ironico sulla burocrazia del mondo tecnologico, gli OnlyFuzz raccontano così la sorprendente capacità di trasformare anche le questioni più immediate in qualcosa di molto più articolato, tra etichette, procedure e regole da seguire.

Una situazione ordinaria diventa così il punto di partenza per raccontare, con leggerezza e ironia, uno dei piccoli paradossi della vita contemporanea: più cerchiamo di organizzare e semplificare le cose, più rischiamo di complicarle.

Il progetto OnlyFuzz nasce nel 2022 in maniera spontanea e senza aspettative, durante una serata in sala prove tra amici. L’incontro tra distorsione e fuzz diventa subito il cuore del loro sound, portando la band a creare uno stile sempre più sporco e graffiante. La loro filosofia è chiara: “più sporco”, “più marcio”, fino a che, quasi senza accorgersene, i OnlyFuzz danno vita ai primi brani originali.

Nel 2023 pubblicano “Bleah!”, il loro primo lavoro in studio e nel 2024 partecipano all’edizione del Vicenza Rock Contest, dove vengono premiati come miglior band padovana. Questo risultato segna l’inizio della loro collaborazione con Sorry Mom!, iniziata a giugno 2024.

Con un sound potente e un’energia elettrizzante, i OnlyFuzz continuano a espandere i loro orizzonti musicali, promettendo nuove sorprese per il futuro.

ASCOLTA “SPEAK TO THE MANAGER”!

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NEROELETTRICO – “Il Cielo”, il nuovo singolo

Siamo tutti sotto lo stesso cielo: tra giorni sereni e tempeste, il nuovo brano racconta il viaggio della vita e la capacità di trovare la propria direzione

“Il cielo” è il nuovo singolo dei Neroelettrico, un brano che parte da un’immagine semplice e universale per raccontare il modo in cui attraversiamo la vita: siamo tutti sotto lo stesso cielo, nei momenti positivi così come in quelli più difficili.

Non possiamo sottrarci al viaggio, ma possiamo scegliere come affrontarlo. Ed è proprio il cielo a trasformarsi, nel brano, in una sorta di mappa da seguire, un punto di riferimento capace di ricordarci di guardare avanti e, soprattutto, di vivere il presente.

Sereno o attraversato dalle nuvole, il cielo diventa così lo specchio dei diversi momenti dell’esistenza. Ci sono giorni luminosi e altri più complicati, ma entrambi fanno parte dello stesso percorso.

Anche quando il cielo cambia e arriva simbolicamente la “neve”, rimane la possibilità di trovare qualcosa da celebrare, trasformando una giornata apparentemente difficile nel proprio giorno di festa.

Con “Il cielo”, i Neroelettrico raccontano così un viaggio fatto di cambiamenti, imprevisti e nuove prospettive, affidando a un’immagine che appartiene a tutti un messaggio semplice: restare nel presente, continuare il proprio cammino e imparare a riconoscere la luce anche quando il cielo non è sereno.

Neroelettrico è un progetto rock nato nel 2019 all’interno della scena indipendente romana, in cui convivono l’eredità del grunge e la tradizione del rock italiano più diretto e viscerale. Il sound si muove tra atmosfere scure, riff essenziali e una forte impronta urbana, attraverso un approccio ibrido che unisce strumenti analogici e produzione digitale.

Fin dagli esordi, il progetto porta avanti un percorso fatto di live nei locali storici della capitale e di una costante ricerca sonora orientata alla sintesi: chitarre e basso assumono ruoli complementari, sostenuti da ritmiche serrate e da testi che raccontano tensioni, contraddizioni e frammenti della quotidianità metropolitana.

La scrittura dei Neroelettrico privilegia l’impatto emotivo e la concretezza, dando vita a brani che crescono in intensità e mantengono una riconoscibile identità visiva e narrativa. Il progetto continua a evolversi attraverso nuove produzioni originali, mantenendo saldo il legame con la scena romana e con un immaginario in cui introspezione, energia ed estetica rock contemporanea si incontrano.

Link video: https://www.youtube.com/watch?v=ApxQFr4IbRA

 

“Amara Galera” è il nuovo singolo degli Heavy-Co.Co

 

“Amara Galera” è il nuovo singolo degli Heavy-Co.Co, un brano che mostra un volto diverso della band e si allontana dalle atmosfere del precedente “Cicinin” per entrare in una dimensione più introspettiva e leggermente malinconica.

Ad accompagnare l’intero pezzo è un riff ricorrente che diventa una sorta di filo conduttore, guidando l’ascoltatore attraverso le emozioni e le immagini evocate dal testo. Una struttura che asseconda il carattere riflessivo della canzone e lascia spazio alle parole e al loro significato.

Al centro di “Amara Galera” c’è la consapevolezza della fine di una relazione. Quel momento in cui diventa sempre più difficile ignorare ciò che sta accadendo e ci si trova costretti a fare i conti con la conclusione di un legame che ha avuto un peso importante nella propria vita.

Le immagini del testo restituiscono in maniera diretta questa presa di coscienza, insieme alla difficoltà di accettare che qualcosa che sembrava destinato a durare possa invece arrivare alla fine.

Siamo davvero pronti ad ammettere che un legame importante sia terminato?

È intorno a questa domanda che si sviluppa “Amara Galera”, trasformando la fine di una relazione in un momento di confronto con se stessi e con ciò che resta quando diventa necessario lasciarsi qualcosa alle spalle.

La band nasce da un’idea dei fratelli Moschetti e prende forma nel 2019 con l’ingresso del batterista Stringari. Poco dopo alla formazione si aggiunge Luce come seconda chitarra, completando il primo assetto del gruppo.

Con il nome di Pandemia, la band registra quattro brani strumentali che verranno successivamente remixati da Tafuro, anche a causa dell’assenza di un cantante nella formazione iniziale.

Dopo un cambio di formazione nel gennaio 2026 la band avvia una collaborazione con l’agenzia Sorry Mom!, aprendo così una nuova fase del proprio percorso artistico.

ASCOLTA “AMARA GALERA”!

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I Tales of Oneira pubblicano il nuovo singolo “Paralyzed”

 

Con il nuovo singolo “Paralyzed”, i Tales of Oneira mettono in musica ed immagini l’esperienza inquietante della paralisi del sonno: la mente si sveglia, ma il corpo resta intrappolato in una dimensione liminale autonoma che non risponde ai comandi.

Durante l’immobilità, le paure emergono come demoni dal sottosuolo, riversando sulla malcapitata ansia, disperazione e apatia, che si traducono nella sensazione di avere un macigno sul petto: “Feel the pressure on your chest / Try to be yourself”.

Il confine tra sogno e realtà si dissolve così poco alla volta, lasciando la protagonista sola nel bel mezzo dell’incubo.

Il brano abbraccia mondi sonori diversi: strizza l’occhio al metalcore moderno, fatto di groove serrati e tensione pre-breakdown, che contrasta con le atmosfere sinfoniche dai tratti gotici.

La voce femminile introduce una dimensione teatrale e oscura, mentre chitarre e ritmiche spingono il brano verso una fisicità opprimente. “Paralyzed” fluttua sulla linea di confine tra queste due dimensioni: aggressività e atmosfera, materia e allucinazione, lucidità e terrore.

La zona instabile del delta del fiume in cui acqua dolce e acqua salata si incontrano e il confine perde consistenza, il punto dove è più facile affogare. “You drown more and more / You can’t be yourself” perché il nemico non arriva dall’esterno, al contrario siamo noi in lotta con noi stessi.

Come primo capitolo del concept, il singolo scava nella parte più fragile e incontrollabile dell’esperienza umana, nel momento esatto in cui aprire gli occhi non significa ancora essere davvero svegli.

Il progetto nasce dall’incontro tra Giuseppe e Carlo durante i loro studi in ingegneria del suono. Nel settembre 2023, dopo due anni di formazione accademica condivisa e reciproca stima professionale, il forte desiderio di collaborare, unito a una profonda sinergia musicale, ha portato alla creazione di un progetto che fonde le loro diverse passioni: il metal moderno, la synthwave, la schiettezza e la produzione raffinata del pop, le profondità psicologiche dell’horror e il mondo dei sogni.

Questi primi confronti ed esperimenti creativi si sono presto evoluti in una visione chiara: la creazione di un concept. L’obiettivo era esorcizzare le paure attraverso la narrazione musicale, il tutto ambientato in un paesaggio onirico dove il subconscio prende il comando.

Una volta definita la visione, il nome è venuto da sé: Tales of Oneira. È seguita una meticolosa ricerca dei collaboratori ideali tra amici fidati e conoscenze di lunga data, portando al consolidamento finale della formazione della band.

I primi mesi del 2024 sono stati dedicati al perfezionamento dell’EP di debutto, uscito a novembre. È seguito un tour promozionale nel Nord Italia, culminato con l’esibizione al prestigioso Teatro Ariston di Sanremo come finalisti nazionali del concorso Sanremo Rock (dove si sono classificati al quarto posto).

Attualmente, la band è impegnata nella finalizzazione del nuovo album. All’attività in studio, si affianca una prolifica attività live che li ha portati a calcare palchi importanti della scena lombarda tra cui il Rock’n’Roll di Milano ed il Circolo Magnolia in supporto agli Unearth.

Link video: https://www.youtube.com/watch?v=QWuQ1Bwt7Y8

SEBASTIANO MONCATA – è uscito “THROUGH THE WOODS”

 

Un fitto bosco, una luce da raggiungere e un piccolo protagonista alle prese con un viaggio decisamente fuori dall’ordinario. “Through The Woods” è la terza traccia di “An (Extra) Ordinary Day – A Proclassic Rock Album”, il concept strumentale di Sebastiano Moncata che unisce musica e immaginario fantasy.

L’intero progetto racconta, brano dopo brano e attraverso una serie di illustrazioni che accompagnano l’ascolto, l’assurda giornata di uno Gnomo, trasformando ogni composizione in un nuovo capitolo della sua avventura.

In “Through The Woods” la storia riprende dopo l’attraversamento di un villaggio apparentemente abbandonato. Lo Gnomo raggiunge un imponente albero ma, precipitando all’interno della sua corteccia, viene improvvisamente catapultato in un bosco fitto e misterioso. Non gli resta che farsi coraggio e attraversarlo, alla ricerca di una fonte di luce e di una possibile via d’uscita.

Caratterizzato da sonorità prog e atmosfere fortemente legate all’universo fantasy, il brano è suddiviso in tre parti che seguono musicalmente le diverse fasi del percorso.

Fate, folletti e persino un grosso troll con gli occhiali intento a leggere sotto un fungo diventano parte di un paesaggio sospeso tra mistero e ironia, nel quale la musica costruisce immagini senza bisogno di parole.

La traversata conduce infine lo Gnomo fuori dal bosco e verso una nuova destinazione: l’antro del druido, dove la sua singolare avventura è pronta a proseguire.

Con “Through The Woods”, Sebastiano Moncata aggiunge così un nuovo tassello al racconto di “An (Extra) Ordinary Day”, costruendo attraverso il linguaggio strumentale un vero e proprio viaggio sonoro e visivo.

Sebastiano Moncata nasce ad Avola. Appassionato di musica sin da piccolo, terminati gli studi classici si iscrive al Conservatorio G.B. Martini di Bologna, dove si laurea col massimo dei voti in Chitarra, sotto la guida del Maestro Piero Bonaguri.

Nel 2013 firma un contratto con l’etichetta Green Production per la distribuzione di un EP strumentale di musica Progressive/alternative Rock dal titolo “That strange garrett” con il duo J&M.

Nel 2019 consegue il Diploma di II livello con il massimo dei voti e lode.

Studia presso l’ Estonian Academy of Music and Arts di Tallinn e nel 2021 segue i corsi di perfezionamento presso l’Accademia Chigiana di Siena, sotto la guida del Maestro Oscar Ghiglia.

Dal 2019 si dedica al repertorio contemporaneo per chitarra; commissiona al compositore Roberto Tagliamacco una serie di brani per chitarra sola, eseguiti all’interno dello spettacolo teatrale “Capricci del ‘900”- regia di Giuseppe Liotta.

Nel 2021 pubblica con l’etichetta Dotguitar il primo disco di chitarra classica solista, con musiche di R. Tagliamacco; nel 2025 esce invece “Memorias de España”(Dotguitar), una raccolta di brani di musica spagnola e sudamericana di Autore arrangiata per chitarra, violino e voce.

Cresciuto a pane e rock, si è sempre dedicato alla composizione di musica dalle influenze grunge/prog.

Nel 2025 compone, suona, e produce “An (Extra) Ordinary Day – A Proclassic Rock Album”, un concept strumentale con ambientazione fantasy, impreziosito da un libretto di illustrazioni che guida l’ascoltatore attraverso le magiche e surreali scene che si dipanano brano dopo brano.

E’ docente di chitarra presso la scuola media a indirizzo musicale di Busseto.

ASCOLTA “THROUGH THE WOODS”!

Spotify: https://shortlink.win/1ypK0

“Pensi Mai”, il nuovo singolo dei 7RI8

 

“Pensi Mai”, il nuovo singolo dei 7RI8, segna l’inizio di una nuova fase per la band e apre la strada verso il secondo album. Una direzione artistica più immediata e legata al presente, al qui e ora, che sta caratterizzando anche i nuovi brani a cui il gruppo sta lavorando in sala prove.

Al centro di “Pensi Mai” c’è una domanda apparentemente semplice, ma capace di innescare un vero cortocircuito mentale: quanto potere diamo ai nostri stessi pensieri?

Il brano si sviluppa intorno a un paradosso racchiuso nella frase “Pensi mai se non pensi mai ai tuoi pensieri che peso dai?”. Un gioco di parole che diventa il punto di partenza per interrogarsi sul valore che attribuiamo a ciò che attraversa la nostra mente e, soprattutto, su quanto quel peso possa condizionare la nostra vita.

Non è un invito all’inconsapevolezza o alla superficialità.

Al contrario, “Pensi Mai” parla di consapevolezza emotiva: della capacità di fermarsi, osservare ciò che ci sta accadendo e provare a ridimensionare pensieri, situazioni e persone quando iniziano a schiacciarci, farci sentire piccoli o avvelenare lentamente il nostro quotidiano.

Il messaggio diventa allora diretto: fermarsi, riconoscere ciò che ci sta facendo male e provare a decidere consapevolmente quanto potere concedergli.

Musicalmente i 7RI8 traducono questo concetto attraverso la struttura ipnotica di un mantra psichedelico, costruendo quella che la band definisce una sorta di “manipolazione al contrario”: un cortocircuito che non vuole imprigionare l’ascoltatore nei propri pensieri, ma provare a liberarlo dal loro peso.

Con “Pensi Mai” i 7RI8 guardano così al presente e, contemporaneamente, iniziano a tracciare la strada verso il loro secondo disco, inaugurando una nuova fase del proprio percorso artistico.

Il 7RI8, a.k.a. TRIO78, sono una band alternative/grunge italiana nata nel 2019 a Belluno, in Veneto, tra le Dolomiti e il mare Adriatico.

La musica del trio è una graffiante esplosione di vibes, nata per risvegliare emozioni e costruita mescolando groove moderni e più tradizionali alle distorsioni che richiamano il grunge, il punk e l’alternative rock degli anni ’90 e 2000. A completare il sound della band c’è una passione condivisa per la musica degli anni ’80, che emerge in maniera più sottile nelle melodie e nelle ritmiche.

Forti dell’esperienza live maturata sul territorio anche attraverso progetti precedenti e paralleli, il 7RI8 hanno fatto del rapporto diretto con il pubblico uno dei propri punti di forza.

Il 7RI8 suonano per le persone, con l’obiettivo di emozionare ed emozionarsi insieme, portando sul palco le storie racchiuse nei loro brani.

ASCOLTA “PENSI MAI”!

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NOTTURNA – ecco “TIVÙ”

 

La band, capitanata da Michele Rizzi, autore, compositore, chitarrista, cantante, produttore e tecnico del suono, presenta “Tivù”, il nuovo singolo che attraverso musica e parole propone una riflessione diretta e provocatoria sul ruolo della televisione nella società contemporanea.

Al centro del brano c’è uno sguardo critico nei confronti di quella televisione che, secondo l’artista, tende sempre più spesso a privilegiare l’intrattenimento facile e la ripetizione di format già collaudati, rischiando di distogliere l’attenzione da temi e questioni ben più rilevanti.

“Tivù” parte proprio da questa contraddizione: da una parte la televisione come strumento di svago, capace di entrare ogni giorno nelle case di milioni di persone; dall’altra la sensazione di trovarsi davanti a palinsesti sempre più prevedibili, nei quali la ricerca di idee nuove lascia spesso spazio a formule già sperimentate e considerate più sicure.

Non tutto, però, viene messo sullo stesso piano. Nel brano trova spazio anche il valore della divulgazione scientifica, storica e documentaristica, vista come una delle espressioni più interessanti del mezzo televisivo: una televisione capace di approfondire, stimolare curiosità e invitare alla riflessione, contrapponendosi alla velocità e alla frammentazione che caratterizzano buona parte dei contenuti consumati quotidianamente sui social.

La critica dei Notturna arriva inevitabilmente anche alla musica, spesso proposta al grande pubblico attraverso dinamiche che, nella visione dell’artista, tendono a privilegiare prodotti fortemente omologati e ripetuti fino a trasformarsi quasi in un mantra.

Il singolo è stato registrato e prodotto interamente da Michele Rizzi, che ne ha curato personalmente ogni fase della realizzazione: dalle chitarre alle tastiere, dal basso alle voci, fino al mixaggio e al mastering, con la preziosa partecipazione di Michele Manfredi alla batteria.

Il risultato è un brano compatto e potente, nel quale produzione e contenuto procedono nella stessa direzione: scuotere l’ascoltatore, provocarlo e, soprattutto, invitarlo a guardare con maggiore consapevolezza ciò che passa ogni giorno davanti ai suoi occhi.

I Notturna nascono alla fine degli anni ’80 da un’idea di Michele Rizzi, cantante, chitarrista e autore, oggi anche produttore e sound engineer della band. Il progetto propone un sound definito dallo stesso Rizzi new romantic rock progressive, caratterizzato da atmosfere avvolgenti e da una scrittura che unisce diverse influenze rock.

Dopo numerose esperienze live, nel 1994 pubblicano il primo EP “Un’altra Luna”, seguito nel 1998 dall’album “Illusioni”, registrato al Palace Recording di Udine e distribuito in collaborazione con Bluetattoomusic. Il disco ottiene riscontri positivi dalla stampa specializzata e nel 1999 la band riceve una nomination come miglior rock band emergente da Radio 105 Network.

Tra il 1999 e il 2001 i Notturna aprono i concerti di Timoria, Tiromancino e Meganoidi. Nel 2006 pubblicano “Le tue ali”, distribuito da Frontiers e accolto positivamente anche dalla stampa internazionale.

Dopo la scomparsa nel 2010 dello storico bassista e amico Stefano Simoni, la band attraversa un lungo e difficile periodo, tornando alla discografia nel 2013 con l’EP “Dentro me”, seguito dall’omonimo album nel 2014.

Nel 2021 esce “Tra gli Angeli”, album che vede anche la partecipazione alle tastiere di Derek Sherinian. Oggi i Notturna proseguono la loro attività con Michele Rizzi anche al basso e sono al lavoro su nuove produzioni e singoli previsti nel corso del 2026.

ASCOLTA “TIVÙ”!

Spotify: https://shortlink.win/1yi4k

“Motel Pyranha” è il nuovo singolo dei SIKNA

 

“Motel Pyranha” è il nuovo singolo dei SIKNA, un brano diretto e senza compromessi che esprime un profondo disprezzo nei confronti di quelle figure manipolatrici che si muovono nell’ombra, sfruttando gli altri e agendo in maniera subdola per il proprio tornaconto.

Persone che la band identifica senza mezzi termini come “parassiti”: individui capaci di insinuarsi nelle relazioni e nelle dinamiche quotidiane, condizionando chi hanno intorno e traendo vantaggio dalle debolezze altrui.

Con “Motel Pyranha”, i SIKNA trasformano questa insofferenza in una presa di posizione netta, dando voce al rifiuto verso comportamenti tossici e manipolatori sempre più riconoscibili nella società contemporanea.

Ad accompagnare il singolo anche il videoclip ufficiale diretto da Marius Cherney (Imago Art Studios), una produzione realizzata nell’arco di tre giorni, tra due città e tre differenti location, con il lavoro di un’intera troupe al servizio della visione del regista.

Il risultato accompagna e amplifica l’immaginario di “Motel Pyranha”, traducendo visivamente l’attitudine e il messaggio del brano.

I SIKNA sono una band alternative rock di Novara nata dalle ceneri dei SIK.

Il loro sound affonda le radici nel grunge e nell’alternative rock anni ’90, con riferimenti a band come Nirvana, Soundgarden, Alice in Chains, Mudhoney e Seether, a cui si aggiungono influenze che spaziano dall’industrial al metal e al punk-rock. Distorsioni abrasive, feedback, riff pesanti e una forte attitudine live sono da sempre gli elementi centrali del progetto.

Dopo lo stop della fase pandemica, la band riparte con una nuova formazione e una nuova identità: nascono così i SIKNA, evoluzione naturale del precedente percorso, con un suono più compatto, oscuro e affilato.

Nel 2026 i SIKNA arrivano al debutto discografico con il primo album full-length “1.11”, in uscita per Sorry Mom!. Un lavoro costruito su riff pesanti, tensione emotiva e impatto fisico, che guarda al grunge e all’alternative rock senza nostalgia e mantiene al centro la dimensione live.

ASCOLTA “MOTEL PYRANHA”!

https://orcd.co/sikna-motelpyranha

“Red Burning Star” è il nuovo singolo dei Becoming Bellatrix

 

“Red Burning Star” è il nuovo singolo dei Becoming Bellatrix, un brano che sintetizza le influenze punk rock del gruppo attraverso un ritmo incalzante e un vero e proprio fiume di parole che accompagna l’ascoltatore per quattro minuti di euforia e velocità.

Come molti dei brani contenuti in “Don’t Kill My Dreams”, primo album del quartetto trentino, anche “Red Burning Star” affonda le proprie radici in esperienze realmente vissute. È proprio dal vissuto personale che nascono le canzoni più sincere della band: storie che diventano musica conservando tutta la loro immediatezza, unicità e forza.

“Red Burning Star” racconta quanto profondamente una persona possa entrare nella nostra vita, arrivando a scuotere certezze e convinzioni che sembravano ormai consolidate. Parla di quella sensazione di incompletezza che può nascere quando qualcuno diventa improvvisamente fondamentale, anche se prima del suo arrivo non ci si era mai sentiti davvero incompleti.

Ma parla soprattutto di chi riesce ad ascoltarci davvero. Di quelle persone capaci di vedere anche le parti più difficili di noi, comprenderne i demoni e, invece di combatterli, trasformarne lo sguardo.

Qualcuno che sa capire i tuoi demoni e disegnare piume sulle loro ali, mostrandoti così degli angeli.

Questa è “Red Burning Star”: una corsa veloce e viscerale che unisce l’urgenza punk rock a un racconto profondamente personale, nato dall’incontro con qualcuno capace di cambiare il modo in cui guardiamo noi stessi.

I Becoming Bellatrix costruiscono il proprio sound partendo dall’energia del punk rock, spingendola verso le sonorità dell’hard rock e del metal. La loro musica nasce dall’incontro delle diverse influenze con cui i componenti della band sono cresciuti e che continuano a far parte del loro percorso musicale. Senza la necessità di chiudersi all’interno di un’unica etichetta, il gruppo punta su brani diretti, energici e capaci di coinvolgere il pubblico.

Il 6 dicembre 2025 pubblicano “Don’t Kill My Dreams”, album finalista al Trentin Music Award nella categoria Miglior Album. Il disco nasce con l’intento di unire le persone e incoraggiarle ad affrontare le proprie insicurezze, accogliendo il cambiamento anche nei momenti più complessi. Musicalmente, “Don’t Kill My Dreams” mescola pop punk, metal e rock alternativo in un muro sonoro eclettico ma coeso, diventando il biglietto da visita della band e un punto d’incontro tra ascoltatori di generazioni diverse.

La dimensione live rappresenta un elemento centrale nell’identità dei Becoming Bellatrix ed è sul palco che la loro musica trova la sua espressione più immediata. Nel 2026 la band raggiunge le finali dello Skyfall Rock Contest e del Vicenza Rock Contest, consolidando ulteriormente il proprio percorso dal vivo.

Con una nuova formazione e una rinnovata energia, i Becoming Bellatrix stanno attraversando una fase di cambiamento e rinascita. Il nuovo materiale segna un ulteriore passo nella loro evoluzione, con un sound ancora più potente, maturo e diretto.

Link video: https://www.youtube.com/watch?v=TqLA8XSf5-8